Luzie Ackers leitet gemeinsam mit M. Cornil die Compagnie TheatreFragile seit 2001 mit Sitz in Detmold, Hangar 21. Im Focus Ihrer Arbeit steht die Darstellende Kunst für den öffentlichen Raum, dem Ort, an dem gesellschaftliche Entwicklungen verhandelt werden. In Ihren Inszenierungen verknüpfen sie dokumentarische Elemente mit der Kunst des Maskenspiels, mit besonderem Augenmerk auf Partizipation. Es sind zahlreiche Inszenierungen und Projekte für den Öffentlichen Raum entstanden. Ackers kreiert zeitgenössische Masken, die in Projekten der eigenen Compagnie und anderen Ensembles zu sehen sind. In der intensiven Beschäftigung mit dem Physischen Theater entwickelte Ackers das Bedürfnis, sich in erweiterter Form mit dem „Sprechenden Körper“ auseinanderzusetzen und arbeitet nach der Grinberg Methode und dem Pantarei Approach. Sie gibt Workshops in internationalen Kontexten, ist als Mentorin tätig und 2021/2022/23 Teil der Jury der Projektförderung des Landesbüro Freie Darstellende Künste NRW. Sie lebt in Berlin.

Eva Behrendt, geboren 1973 in Waiblingen, studierte Geschichte, Germanistik und Theaterwissenschaft in Mainz, Dijon und Berlin. Seit 2001 Redakteurin bei «Theater heute», außerdem freie Kritikerin für taz, Die Zeit, Merkur etc. sowie Gastdozentin am Institut für Theaterwissenschaft der FU Berlin. Sie hat in verschiedenen Jurys (Berliner Theatertreffen, Theaterpreis Berlin, Hauptstadtkulturfonds, Politik im freien Theater, Impulse, u.a.) mitgearbeitet und ist zur Zeit Mitglied im Auswahlgremium der Mülheimer Theatertage.

Studium der Kunstgeschichte, Philosophie und Kulturwissenschaft in Berlin, Buenos Aires und Mexiko City. Seit 2010 kontinuierliche Zusammenarbeit mit Rimini Protokoll, unter anderem bei “Truck Tracks Ruhr”, “Remote X“ und “Allright. Good night”. Zwischen 2014 und 2020 Dramaturg am Gorki Theater Berlin, dort unter anderem verantwortlich für den interdisziplinären Berliner Herbstsalon (2015/2017/2019). Er kuratierte zahlreiche Projekte im öffentlichen Raum unter anderem Wege bei der Ruhrtriennale 2021 und 2022 sowie in Santiago de Chile, Teheran und Kopenhagen. Mitbegründer und Teil der künstlerischen Leitung des Festivals Osten in Bitterfeld.

Nach der Schauspielausbildung in München und vielen Jahren als Schauspielerin auf der Bühne, nahm die Liebe zur Regie und zur Leitung eigener Projekte überhand. Stationen als Regieassistentin und Produktionsleiterin für Musiktheater im In- und Ausland folgten. 2013 Gründung des Theaterlabels WIR.Jetzt!. 2015 entstand das erste Theaterstück “Talk Talk- Reise ohne Flucht“, eine Bearbeitung des Romans Talk Talk von T.C.Boyle für WIR.Jetzt!. 2017 folgte eine Neubearbeitung des Märchens „Der Gestiefelte Kater“ für Theater und Philharmonie Thüringen. 2018 eine Adaption der Mythen um den fliegenden Holländer. Die Produktion „Der Fliegende Holländer“ für das Klang! Festival Bielefeld wurde mit dem Förderpreis Klassik ausgezeichnet. Produktionsleitungen und Dramaturgie für Theaterprojekte im städtischen Raum folgten, ebenso die Künstlerische Leitung des Theaterhaus TiG7 in Mannheim. 2010 bis heute als freischaffende Regisseurin für Schauspiel und Spartenübergreifende Projekte. Seit Februar 2021 Künstlerische Betriebsdirektorin der Bad Hersfelder Festspiele.

Xenia Bühler, geboren 1969 in Langenhagen/Hannover, verließ im Jahre 1996 die Universität Hildesheim mit dem Diplom Kulturpädagogik. Ihr erstes Engagement als Theaterpädagogin führte sie an das Theater Görlitz. Von 2003-2013 war sie am Comedia Theater in Köln tätig. Seither übernahm sie in München Lehrtätigkeiten an der Hochschule München und der LMU und verantwortete Festivalorganisation und Theaterprojekte mit Kindern, Jugendlichen und Erwachsenen. Seit der Spielzeit 2017/18 ist sie als Theaterpädagogin und Dramaturgin Teil des künstlerischen Teams der Schauburg - Theater für junges Publikum - in München.

Chang Nai Wen lebt seit 18 Jahren in Deutschland. Sie wurde als erste asiatische Studentin für das Schauspieltheater-Regiestudium an der Theaterakademie Hamburg aufgenommen und war als taiwanische Regisseurin an den Sprechtheatern des deutschsprachigen Raums zu sehen. Diese Erfahrung brachte sie dazu, die Politik um sie herum zu hinterfragen und zu überlegen, wie man ein Umfeld schaffen kann, das weniger hierarchisch und mehr auf Zusammenarbeit und Vielfalt ausgerichtet ist. 2008 gründete sie in Berlin "SdF - Sisyphos, der Flugelefant", eine unabhängige projektbasierte transkulturelle Gruppe, die sich auf immersive, partizipative und interaktive Kreation spezialisiert hat. 2010 wurde sie zur Teilnahme am Lincoln Center Theater Directors Lab in New York eingeladen, was sie dazu inspirierte, die Idee der Zusammenarbeit zwischen internationalen Regisseur*innen zu verfolgen. So wurde sie 2011 Mitbegründerin des internationalen Regiekollektivs "World Wide Lab" mit 12 weiteren Regisseur*innen aus 9 Ländern. Als international arbeitende Künstlerin bevorzugt Nai Wen einen kreativen Prozess, bei dem sie ihre künstlerischen Muskeln zusammen mit ihren interkulturellen Einsichten einsetzt, um Arbeiten zu schaffen, die zum Dialog anregen und unterschiedliche Perspektiven offen legen. Neben ihrem künstlerischen Schaffen setzt sie sich stark für ein kulturelles Umfeld der Gleichberechtigung, Inklusion und Diversität ein.

Jan Deck ist Politikwissenschaftler, lebt in Frankfurt/Main und arbeitet als freier Dramaturg, Regisseur und Kurator an unterschiedlichen Orten und mit unterschiedlichen Künstler*innen, Ensembles und Kollektiven. Mit seinem Performancekollektiv profikollektion erforscht er mit Katja Kämmerer historische Orten und gesellschaftliche Themen. Zudem ist er Geschäftsführer des Landesverband Freie Darstellende Künste Hessen e.V. (laPROF). Er ist und war Mitglied verschiedener Jurys und Beiräte, kuratiert Tagungen, Festivals und Labore. Als Herausgeber und Autor beschäftigt er sich mit verschiedenen Aspekten von Kunst und Gesellschaft.

Amelie Deuflhard war von 2000 bis 2007 künstlerische Leiterin der Sophiensæle (Berlin). 2004/05 war sie Teil der Künstlerischen Leitung von „Volkspalast“, einer festivalartigen Bespielung des dekonstruierten Palastes der Republik. Seit 2007 ist sie Intendantin von Kampnagel (Hamburg), Europas größtem Produktionszentrum für die Freien Darstellenden Künste. Mit EcoFavela Lampedusa Nord initiierte sie 2014 einen Lebens- und Aktionsraum für Geflüchtete. Das Projekt hat auf Kampnagel seine Verlängerung in dem preisgekrönten Begegnungsort Migrantpolitan gefunden. Amelie Deuflhard war Teil des Viererkuratoriums von Theater der Welt 2017. Sie ist Autorin zahlreicher Publikationen und hat regelmäßig Lehraufträge an Hochschulen inne. Für ihr Schaffen wurde sie 2012 mit dem Caroline-Neuber Preis und 2013 mit den Insignien des Chevaliers des Arts et Lettres ausgezeichnet. 2018 erhielt sie die Auszeichnung Europäische Kulturmanagerin des Jahres.

Marcus Droß studierte Angewandte Theaterwissenschaft an der Justus-Liebig-Universität in Gießen. Von 1996 bis 2012 arbeitete er frei als Regisseur, Dramaturg und künstlerischer Mentor mit Künstler*innen und Kollektiven in den Bereichen Musiktheater, Performance und Choreografie, für Festivals, Residenzprogramme, Koproduktionshäuser und in der künstlerischen Ausbildung. Von 2012 bis 2022 war Marcus Droß Dramaturg und Programmkurator am Frankfurter Künstlerhaus Mousonturm. Als Teil einer langfristigen Neukonzeption der Rolle des Mousonturms als künstlerische und kulturpolitische Partnerinstitution der regionalen Freien Szene entwickelte er im Bereich Tanz und Performance Vermittlungs-, Forschungs- und Produktionsformate und initiierte und begleitete die dramaturgische Entwicklung und Produktion von Performances. Er war Teil der Ko-Leitung der Frankfurter Ausgabe des Festivals Politik im Freien Theater 2022, das in engster Zusammenarbeit mit der regionalen Freien Szene konzipiert und veranstaltet und vom Mousonturm in der Ausführung verantwortet wurde. Im September 2022 übernahm Marcus Droß zusammen mit Anna Wagner die Geschäftsführung und Intendanz am Künstler*innenhaus Mousonturm.

Angelika Eder ist seit 2017 geschäftsführender Vorstand der Stiftung Genshagen und leitet dort den Bereich „Kunst- und Kulturvermittlung in Europa“. Von 2002 bis 2017 hat sie beim Goethe-Institut gearbeitet, zunächst als Referentin im Bereich „Wissenschaft und Zeitgeschehen“ in der Münchner Zentrale, 2005 bis 2009 als Institutsleiterin in Krakau, 2009 bis 2013 als Leiterin der Programmarbeit mit regionalem Fachauftrag am Goethe-Institut Prag (Regionalinstitut für Mittelosteuropa) und anschließend bis 2017 als Institutsleiterin in St. Petersburg. Davor war sie sechs Jahre wissenschaftliche Mitarbeiterin an der Forschungsstelle für Zeitgeschichte in Hamburg und davor, 1994-96, DAAD-Lektorin am German Department der University of Liverpool.

Sabine Effmert wurde an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Stuttgart zur Figurenspielerin unter Prof. Werner Knödgen ausgebildet. Sie besuchte 2003 die Masterclasses in Puppetanimation an der Akademia Teatralna in Bialystok, Polen. 2010 war sie Gasthörerin an der ABK Stuttgart im Studiengang Intermediales Gestalten. Nach ihrem Diplom 2005 war sie vor allem als freischaffende Künstlerin mit Schwerpunkt Figurenspiel, Bild und Bewegung spartenübergreifend tätig. Neben der Zusammenarbeit mit dem Lichtkünstler und Regisseur Joachim Fleischer arbeitete
sie unter anderem für die Konzertdirektion Landgraf, mit Stefanie Oberhoff / Gütesiegel Kultur, dem Zimmertheater Tübingen, dem Staatstheater Stuttgart. Ausstattungen entstanden z.B. für das Theater tri-bühne Stuttgart, dem LTT, dem Puppentheater Gera. 2019 bis 2020 war sie an der HMDK Stuttgart im Studiengang Figurentheater als Mitarbeiterin der Leitung bei Prof. Stephanie Rinke angestellt. Seit 2022 leitet sie am Theater Ansbach das Künstlerische Betriebsbüro und die Ansbacher Puppenspiele.

Nach dem Studium der Theaterwissenschaft und Kommunikations- und Medienwissenschaft in Leipzig und Glasgow war Thomas Frank von 2000 bis 2004 Assistent der künstlerischen Leitung, Dramaturg und Kurator am Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt am Main und von 2005 bis 2007 Programmdramaturg an den Sophiensaelen Berlin. Im Jahr 2007 gründete er gemeinsam mit Haiko Pfost brut Wien als internationales Koproduktionshaus für interdisziplinäre darstellende Kunst, das er bis 2015 in künstlerischer und geschäftsführender Verantwortung leitete. Bereits in ihrer zweiten Spielzeit wurden Thomas Frank und Haiko Pfost für das brut Programm mit dem Nestroy Preis der Stadt Wien ausgezeichnet. Von 2015 bis 2017 war Thomas Frank als freier Kurator am Theater VabaLava in Tallinn, Estland engagiert. Seit der Spielzeit 2016/2017 ist er künstlerischer Leiter der Spielstätte Residenz am Schauspiel Leipzig. An der Hochschule für Musik und Theater Felix Mendelssohn Bartholdy und an der Hochschule für Graphik und Buchkunst in Leipzig ist er seit 2018 als Lehrbeauftragter tätig.

Matthias Frense studierte Theaterwissenschaften im englischen Hull und in Berlin sowie Theaterregie an der Theaterakademie in Hamburg. Sein erstes Engagement führte ans Hamburger Thalia Theater, wo er u.a. Jürgen Flimm, Dimiter Gotscheff, George Tabori und Robert Wilson assistierte. Unter der Intendanz von William Forsythe war Frense zwischen 2002 und 2004 als Produktionsleiter an den Städtischen Bühnen Frankfurt am Main engagiert. Als Produktionsleiter und Dramaturg arbeitete er für freie Theatergruppen (u.a. Maß & Fieber, Rauwald Company) in Deutschland und der Schweiz, für den Cirque du Soleil in München und für die Ruhrtriennale in Essen. 2006 kam Frense als Dramaturg nach Mülheim, um an der Transformation des Soziokulturellen Zentrums Ringlokschuppen in ein Theaterproduktionshaus mitzuwirken. Seit 2015 ist er Künstlerischer Leiter und Geschäftsführer des Hauses, das über viele Jahre Koproduktionspartner für Künstler*innen/gruppen wie andcompany&Co., Anna Kpok, Boris Nikitin, CocoonDance, Cooperativa Maura Morales, Gintersdorfer/Klaßen, kainkollektiv, LIGNA, Marta Górnicka, Martin Ambara, Monster Truck oder vorschlag:hammer war und ist. 2019 wurde dem Ringlokschuppen Ruhr der Theaterpreis des Bundes verliehen.

Maria Gebhardt, geboren 1988 in Sachsen-Anhalt, studierte Kulturwissenschaften und ästhetische Praxis in Hildesheim und Paris.

Ihre Berufsbiografie prägten Stationen in der Geschäftsführung der Freien Produktions- und Spielstätte Theaterhaus Hildesheim, der Tätigkeit als Projektreferentin an der Bundesakademie für Kulturelle Bildung Wolfenbüttel sowie seit 2017 in der Geschäftsführung der Interessenvertretung Landeszentrum Freies Theater Sachsen-Anhalt. Seit 2019 ist Maria Gebhardt Mitglied im Vorstand der Kulturkonferenz Sachsen-Anhalt.

Kernthemen ihrer Tätigkeit sind das Empowerment selbstständiger Künstler*innen durch Beratung, die Mitwirkung an strukturellen Verbesserungen von Förderverfahren und Rahmenbedingungen der Kulturförderung sowie die Initiierung von Maßnahmen zur besseren Wahrnehmbarkeit der Freien Szene als Landschaft. Ihre eigene künstlerische Praxis fand stehts hinter der Bühne in den Bereichen Dramaturgie, Produktion, Szenographie und Technik statt.

Sabine Gehm ist künstlerische Leiterin des internationalen Festivals TANZ Bremen und im Leitungsteam des Tanzpakt Projekts ‚MV tanzt an‘.

Von 2006 bis 2016 leitete sie zusammen mit Katharina von Wilcke die ersten vier Ausgaben des internationalen Tanzkongress der Kulturstiftung des Bundes (Berlin 2006, Hamburg 2009, Düsseldorf 2013, Hannover 2016).

Die diplomierte Kulturwissenschaftlerin war von 1994 bis 2001 als Programmdramaturgin und Leiterin verschiedener Festivals (u.a. Junge Hunde, Independance Days, Tanzplattform Deutschland 2000) bei Kampnagel Hamburg und koordinierte 2001 - 2005 u.a. das von ihr mitbegründete internationale Netzwerk für Performing Arts ‚Junge Hunde’.

Davor arbeitete sie als Organisationsleiterin beim Internationalen Sommertheater Festival Hamburg.

Als frei arbeitende Kuratorin und Kulturmanagerin konzipierte und verantwortete sie internationale Austauschprojekte, Think Tanks, Laboratorien und Akademien u.a. für die KSB, den BFDK, den DTD. Sie ist im Vorstand des Dachverband Tanz Deutschland und war von 2015 bis 2020 Vorsitzende des Kuratoriums beim Fonds Darstellende Künste, für den sie 2020 die Prozesse der Entscheidungsverfahren (u.a. Publikation der Handreichung zu Juryverfahren) leitete. Sie ist als Gutachterin und Mitglied verschiedener Jurys bundesweiter und internationaler Programme tätig und arbeitet als Mentorin beratend für verschiedene Künstler*innen und Projekte.

Lea Goebel ist Dramaturgin am Schauspiel Köln. Sie studierte Germanistik, Vergleichende Literatur- und Kulturwissenschaft sowie English Studies in Bonn und an der Université Paris-Sorbonne. Am Schauspiel Köln arbeitete sie u.a. mit Luk Perceval, Frank Castorf, Jürgen Flimm und Mina Salehpour. Sie ist Teil des Kernteams des dramaturgie-netzwerks, wo sie sich für faire Arbeitsstrukturen und kulturpolitische Erneuerungen am Stadttheater einsetzt. Seit 2021 kuratiert sie für den Heidelberger Stückemarkt den „Netzmarkt“, der drei Produktionen des Digitattheaters auszeichnet. Zusammen mit der Initiative „Digitale Dramaturgie“ erforscht sie neue Wege des digitalen Storytellings.

Rabea Grand studierte Kulturwissenschaften mit Schwerpunkt Soziologie an der Fernuni Hagen (BA) und an der Uni Luzern (MA). Sie arbeitete für die Stiftung Schloss Leuk, in der Dampfzentrale Bern, bei Reso – Tanznetzwerk Schweiz sowie für das Theaterfestivals AUAWIRLEBEN, bei dem sie von 2014-2017 zusammen mit der künstlerischen Leiterin für das künstlerische Programm des Festivals verantwortlich war. Sie ist Mitbegründerin von Residenz Tanz Leuk und war von 2015-2017 Mitglied der Theaterkommission der Stadt Zürich. Seit 2012 arbeitet sie als Produktionsleiterin von Theater-, Tanz- und Performancekünstler*innen, unter anderem für Lea Moro (Berlin/Zürich), Nils Amadeus Lange (Zürich) und Cosima Grand (Zürich/Wallis). Seit dem Herbst 2017 arbeitet sie als Teil der Programmgruppe sowie als künstlerische Mitarbeiterin beim Züricher Theater Spektakel. Seit 2020 arbeitet sie an der Gessnerallee Zürich, zuerst als künstlerische und geschäftsführerische Co-Leitung, ab Mai 2021 ist sie zuständig für die Koordination des künstlerischen Programms der Gessnerallee.

Matthias Grön gründete nach einem Lehramtsstudium das Oldenburger Universitäts-Theater (OUT) und leitete das OUT als künstlerischer Geschäftsführer. In der Spielzeit 2001/2002 wechselte er an das Oldenburgische Staatstheater. Er ist Dramaturg am Oldenburgisches Staatstheater und leitet dort das Junge Staatstheater. Verschiedentlich trat er auch als Regisseur in Erscheinung.

Julius Heinicke ist Professor für Kulturpolitik und Inhaber des UNESCO-Lehrstuhls „Cultural Policy for the Arts in Development“ an der Universität Hildesheim. Von 2017 bis 2020 war er Professor für angewandte Kulturwissenschaften an der Hochschule Coburg im Projekt „Coburger Weg“, das 2019 mit dem Genius Loci-Preis des Stifterverbands ausgezeichnet wurde. Nach dem Studium der Kultur- und Theaterwissenschaften promovierte er an der Humboldt-Universität zu Berlin über Theater und Politik in Zimbabwe und forschte und lehrte danach vier Jahre lang am Institut für Theaterwissenschaft der Freien Universität Berlin. Seit 2017 leitet er des Forschungsprojekts „Schnittstellen zwischen Hochkultur und Kultureller Bildung“ und habilitierte sich 2019 mit der Schrift „Sorge um das Offene: Verhandlungen von Vielfalt mit und im Theater“, erschienen im Verlag Theater der Zeit.

Alexandra Henn ist eine deutsch-französische Kulturmanagerin. Nach ihrem Masterabschluss in Kultur- und Medienmanagement an der FU Berlin und in Barcelona hat sie sowohl im institutionellen Bereich als auch in der Freien Szene gearbeitet. Nach vier Jahren im Institut français (Büro für Theater und Tanz) entdeckt sie ihre Leidenschaft zum Zeitgenössischen Zirkus und wechselt zu Chamäleon Berlin, wo sie seit 2017 Referentin der Intendanz und Projektleiterin ist, mit den Schwerpunkten Förderung, Touring, Künstler*innenresidenzen und Netzwerk. Im Bundesverband Zeitgenössischer Zirkus (BUZZ) engagiert sie sich in der AG Kulturpolitische Vernetzung, im Veranstalter*innenforum und im Städtepol Berlin. Sie begleitet ebenfalls Künstler*innen als Mentorin.

Katja Herlemann studierte Theater- und Tanzwissenschaft sowie Komparatistik an der Ruhr-Universität Bochum und an der Universität Antwerpen. 2011 – 2013 war sie am Goethe-Institut in München und in Prag tätig. 2013 betreute sie das Vermittlungsprogramm beim Foreign Affairs Festival der Berliner Festspiele, bevor sie zur Spielzeit 2013/14 ans Theater und Orchester Heidelberg wechselte. Dort kuratierte und organisierte sie den internationalen Heidelberger Stückemarkt und war im Auswahlgremiums für den Autor*innenwettbewerb. Von 2016 – 2019 war sie als Dramaturgin und Kuratorin der Sparte Gegenwartsdramatik am Schauspiel Leipzig engagiert. Sie realisierte dort Stückentwicklungen und Uraufführungen mit u. a. Thomas Köck, Enis Maci und E.L. Karhu und leitete das Autor*innen-Nachwuchsfestival 4+1. Seit 2019 ist sie Dramaturgin am Schauspiel Frankfurt und setzt dort u.a. ihre Zusammenarbeit mit Claudia Bauer fort. Sie ist Teil des Leitungsteams der 11. Ausgabe des Festivals „Politik im Freien Theater“, das im Herbst 2022 in Frankfurt stattfindet.

Melanie Hinz ist seit 2020 Professorin für Theaterpädagogik an der Universität der Künste Berlin. In Lehre und Forschung arbeitet sie vor allem zu machtkritischen/intersektionalen Perspektiven auf Theaterpädagogik und Theater. Melanie Hinz hat Kulturwissenschaften und ästhetische Praxis an der Universität Hildesheim studiert und promovierte dort über Prostitutionsdiskurse im Theater des 19. Jahrhunderts und der Gegenwart (transcript 2014). Von 2013-2020 war sie Professorin für „Bildende und performative Künste in der Kulturarbeit“ an der FH Dortmund und Mitherausgeberin der kopaed-Buchreihe „Theater als Soziale Kunst“ mit den Schwerpunkten „BIOGRAFIEren auf der Bühne“, „Partizipation: teilhaben/teilnehmen“ und „Forschendes Theater in Sozialen Feldern“. Sie ist Mitglied des Netzwerkes „Forschung im Kinder- und Jugendtheater“. Seit 2004 ist sie Gründungsmitglied und Performerin des Kollektivs Frl. Wunder AG und entwickelt recherchebasierte Theaterprojekte im Kollektiv und mit Alltagsexpert*innen in der Freien Szene und an Stadt- und Staatstheatern.

Katrin Hylla studierte Angewandte Theaterwissenschaft in Gießen. Davor war sie bereits als Schauspielerin, Regisseurin, Regieassistentin in der Freien Szene Berlin u.a. am HAU, Theaterdiscounter, aber auch Stadt-und Staatstheatern (Maxim Gorki Theater, Hessisches Landestheater Marburg u.a.) tätig. Bis März 2021 arbeitete sie in der freien Spielstätte TNT in Marburg als Teil der künstlerischen Leitung und Geschäftsführung. Sie gründete 2016 das Festival FÜR DICH FÜR DICH FÜR DICH, ein um Arbeitsstipendien erweitertes Format für zeitgenössische Positionen und Performances. Als Regisseurin realisiert sie Stücke u.a. mit Kindern und wurde dafür mit dem Preis der Hessischen Theatertage 2017 ausgezeichnet. Sie initiiert und inszeniert gerne Formate, die offen sind für professionelle und nicht professionelle Performer*innen und Musiker*innen aller Altersstufen. So entstand beispielsweise Die erste Kinderpartei Deutschland, die Audioinstallation Heimat #3 auf einem Bierberg aus 2000 Bierkästen oder wird aktuell das Bootsballet mit Blechmusik auf dem Werdersee in Bremen erarbeitet. Katrin Hylla ist teilweise als Lehrbeauftragte z.B. an der HAWK Hildesheim und Uni Gießen tätig. Zur Zeit bereitet sie ihre Arbeit als Künstlerische Leitung der Schwankhalle Bremen vor, die sie ab August 23 in einer Dreierspitze leiten wird.

Tarun Kade, geboren 1984 in München, studierte Theaterwissenschaft, Philosophie und Englische Literatur in München und Bristol. Von 2009 bis 2011 war er Dramaturg am Thalia Theater Hamburg, von 2012 bis 2015 arbeitete er als solcher am Theater Bremen. Von 2015 bis 2020 war Tarun Kade Dramaturg an den Münchner Kammerspielen, die letzten zwei Spielzeiten in leitender Funktion. In diesen beiden Jahren wurden die Kammerspiele in der Kritiker*innenumfrage von Theater heute jeweils zum „Theater des Jahres“ gewählt. Tarun Kade ist Mitbegründer der Arbeitsweisenplattform modesofoperation.com, die in Zusammenarbeit mit dem Goethe-Institut Arbeitsweisen einer neueren Generation Theaterschaffender porträtiert. Für die Festivalausgabe 2022 war Tarun Kade Programmdramaturg bei den Wiener Festwochen. Seitdem arbeitet er als freischaffender Produktionsdramaturg und Programmmacher u.a. am Maxim Gorki Theater, den Wiener Festwochen und in den freien darstellenden Künsten. Außerdem unterrichtet und mentoriert er immer wieder an Hochschulen und Unis und übernimmt Jurytätigkeiten.

Joy Kristin Kalu ist promovierte Theaterwissenschaftlerin, Dramaturgin und Kuratorin für internationale performative Künste. Sie arbeitet zurzeit als Gasprofessorin für Theorie der performativen Künste an der Universität der Künste Berlin. Bis Sommer 2023 war sie leitende Dramaturgin für Theater und Performance an den Berliner Sophiensælen. Dort kuratierte sie u.a. die Festivals „Save your Soul“ (2018), „Freischwimmer*innen. The Future is Female“ (2019), „Risk & Resilience“ (2020) und „Leisure & Pleasure“ (2023) und konzipierte und moderierte die fortlaufende Diskursreihe „Politics of Love. Repräsentation in Theater und Gesellschaft“. Ihr Buch „Ästhetik der Wiederholung. Die US-amerikanische Neo-Avantgarde und ihre Performances“ erschien 2013 (Transcript). Sie ist Mit-Herausgeberin der Bände „Theater als Intervention. Politiken ästhetischer Praxis“ (Theater der Zeit 2015), „Kunst und Alltag“ (De Gruyter 2017), und „OPENINGS. Sophiensaele 2011-2021“ (Alexander Verlag 2021).
Joy Kristin Kalu hat an der Freien Universität Berlin und der New York University geforscht und gelehrt und an verschiedenen Kulturinstitutionen in Deutschland und den USA gearbeitet, u.a. bei der Actors’ Gang in Los Angeles, an der Berliner Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz, bei der New Yorker Wooster Group und den Kunst-Werken Berlin. Sie gehörte zuletzt u.a. dem Kuratorium des Fonds Darstellende Künste (2018-2022), der Jury des Forced Entertainment Award (2018), dem Stückemarkts des Berliner Theatertreffens (2018) und dem Beirat des Impulse Theaterfestivals 2017 an.

Als Dipl.-Kulturwissenschaftler arbeitet Thomas Kaestle seit über 20 Jahren solo-selbständig in den Bereichen Kulturjournalismus, Kulturberatung, Kulturvermittlung, Kulturpolitikforschung und kuratorische Praxis. Er war künstlerischer Leiter des Kunstvereins Hildesheim und leitet aktuell eine „Bürger*innen-Akademie für Kunst in öffentlichen Räumen“ für die Gemeinde Jesteburg. Als Redakteur betreute er Publikationen für den Bundesverband Freie Darstellende Künste und den Fonds Darstellende Künste. Für die Stiftung Niedersachsen hat er im vergangenen Jahr die Redaktion der Buchreihe „Kunst der Gegenwart aus Niedersachsen“ übernommen. Er ist Mitglied des Beirats für Kunst im öffentlichen Raum der Landeshauptstadt Hannover, hat deren Kulturhauptstadtbewerbung kuratorisch beraten und ist Mitglied der Theaterjury des Bremer Kultursenators. Er lehrte an Hochschulen in Dortmund, Hildesheim und Kassel in den Fachbereichen Design, Kulturwissenschaften sowie Architektur/Planung.

Mit 20 kam Martha zum Studieren nach Saarbrücken und war von der Nähe zu Frankreich und der saarländischen Festivallandschaft so begeistert, dass sie immer noch hier ist. Nach diversen Praktika und (Neben-)Jobs u.a. beim Filmfestival Max Ophüls Preis, anderen saarländischen Kultureinrichtungen und Eventagenturen landete sie schließlich 2009 beim Festival PERSPECTIVES, deutsch-französisches Festival der Bühnenkunst. Inzwischen ist ihr Aufgabengebiet gewachsen, sie hat das Festival LOOSTIK, deutsch-französische Festival für junges Publikum, mitbegründet, tausende von Theaterstücken gesehen, gibt Workshops und sitzt in diversen Jurys.

Nilüfer Kemper ist in der Türkei geboren und im Ruhrgebiet aufgewachsen. Sie hat an der Ruhr-Universität Bochum Psychologie und Theaterwissenschaften studiert. 1985 bis 1993 war sie freischaffende Schauspielerin und Performancekünstlerin in verschiedenen Konstellationen. Sie hat zugleich an der Ruhr-Universität Bochum Psychologie und Theaterwissenschaften studiert. Seit 1993 ist sie selbständige Kulturmanagerin und Produzentin in den Freien Darstellenden Künsten und hat zahlreiche Bühnenproduktionen, Festivals und Kulturprojekte in NRW betreut. Sie war u.a. 1999-2006 Geschäftsführerin des Theater im Depot Dortmund, 2009-2012 Projektmanagerin am Institut für Kunst und Materielle Kultur der Technischen Universität Dortmund, 2012-2019 Geschäftsführerin des NRW Theaterfestivals FAVORITEN und 2012-2021 Geschäftsführerin der Landesarbeitsgemeinschaft Tanz NRW. Sie ist Mitgründerin und Sprecherin von .dott – dem Tanz- und Theaternetzwerk Dortmund – sowie Vorstandsvorsitzende des NRW Landesbüro Freie Darstellende Künste.

Mit Bestürzung und Trauer hat den Fonds vom Tod von Bea Kießlinger erfahren. Sie hat den Dachverband Tanz vielfach im Fonds Darstellende Künste vertreten. Ihr engagierter Einsatz für den Tanz und besonders für die frei arbeitenden Tänzer*innen und Choreograf*innen wird uns stets in Erinnerung bleiben. Ein Nachruf auf Bea Kießlinger erschien in der Stuttgarter Zeitung.

Bea Kießlinger studierte Architektur und lehrte an der TU Stuttgart zum Thema Bewegung und Raum. In ihrer Arbeit konzentriert sie sich seit vielen Jahren auf den zeitgenössischen Tanz, als Geschäftsführerin von Kultureinrichtungen, Netzwerkerin, künstlerische Projektleiterin, Kuratorin, Dramaturgin, Jurorin und Interessenvertreterin. Sie leitete von 1998 bis 2007 die Tanz- und Theaterwerkstatt e.V. Ludwigsburg, war 2006 Mitglied des Leitungsteams der Tanzplattform Deutschland in Stuttgart und arbeitete am Theaterhaus Stuttgart als künstlerische Geschäftsführerin. 2009 gründete sie das landesweite Netzwerk „TanzSzene BW“, in deren Vorstand sie bis heute aktiv ist. Für den Dachverband Tanz Deutschland engagierte sich Bea Kießlinger von 2010 bis 2017 im Vorstand, ist Mitglied der Initiativgruppe Stadt-Land-Bund und leitet seit 2017 den kulturpolitischen Dialog im Förderprogramm TANZPAKT Stadt Land Bund. Für den Dachverband Tanz ist sie außerdem beauftragt kulturpolitisch mit weiteren Verbänden wie z.B. dem Deutschen Kulturrat, der Allianz der Freien Künste, dem Aktionsbündnis Darstellende Künste den regelmäßigen Austausch zu pflegen und Themen des Tanzes inhaltlich weiter zu entwickeln.

Kira Kirsch ist seit 2015 Künstlerische Leiterin und Geschäftsführerin von brut in Wien, Produktions- und Spielstätte für die freie österreichische und internationale Theater-, Performance- und Tanzszene. Von 2007-2015 war sie Dramaturgin bzw. Leitende Dramaturgin und Kuratorin des Gegenwartskunstfestivals steirischer herbst in Graz. Sie war Mitbegründerin des monothematischen Magazins BOB und Mitherausgeberin des Readers Truth is Concrete. A Handbook for Artistic Strategies in Real Politics, der sich mit aktuellen Bewegungen politisch engagierter Kunst und künstlerischem Aktivismus auf internationaler Ebene befasst.

Sebastian Kirsch, geb. 1980, arbeitet als Theater- und Literaturwissenschaftler sowie als Publizist und hat in Bochum, Düsseldorf, Stockholm und Wien gelehrt. An der Ruhr-Universität Bochum promovierte er 2011 mit einer Studie zur Geschichte der Zentralperspektive (Das Reale der Perspektive, 2013 publiziert) und habilitierte 2018 mit der Arbeit Chor-Denken. Sorge, Wahrheit, Technik (publiziert 2020). Mit einem Forschungsprojekt zu Hermann Broch war Kirsch 2019/2020 als Lynen-Stipendiat der Alexander von Humboldt-Stiftung am Department of German der New York University assoziiert; 2021 war er als Humboldt-Fellow am Berliner Leibniz-Zentrum für Literatur- und Kulturforschung zu Gast. 2007-2013 war Kirsch Redakteur von Theater der Zeit, bis 2017 außerdem regelmäßiger Kolumnist der Zeitschrift. Dramaturgische Zusammenarbeiten verbinden ihn u. a. mit Hans-Peter Litscher und Johannes Schmit.

Friedrich Kirschner ist Regisseur und Software-Entwickler. Er nutzt Interaktionismus als theoretische und Videospiele als technologische Grundlage für partizipative Gesellschaftssimulationen. Als Professor für digitale Medien leitet er den Masterstudiengang Spiel und Objekt an der Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch.

Josa Kölbel war selbst professioneller Artist, ausgebildet am renommierten nationalen Circuscentrum in Chalons-en-Champagne, Frankreich, und war mehrere Jahre europaweit aktiv. Seit 2015 ist er Geschäftsführer der Berlin Circus Production – Hilliger Kölbel GbR und Co-Direktor des Berlin Circus Festival, das alljährlich am Tempelhofer Feld stattfindet und Produktionen, Künstler*innen und Positionen des zeitgenössischen Circus versammelt. Außerdem kuratierte die Circusschiene im Haus der Berliner Festspiele, arbeitete als Kursleiter in der ETAGE, als Künstler*innenbetreuer im MGB und ist seit 2020 als Mentor für den Berliner LAFT tätig.

Daniela Koß ist als Kulturwissenschaftlerin M.A. seit 2010 bei der Stiftung Niedersachsen tätig und verantwortlich für den Förderbereich Theater und Soziokultur. In ihrer Arbeit berät sie zahlreiche Akteur*innen und konzipiert und betreut innovative Förderprogramme. Dazu gehört sozioK_change, ein Programm, das Transformationsprozesse in der Soziokultur begleitet und auch das Festival Freier Theater „Best OFF“, das unter ihrer Leitung alle zwei Jahre die besten Inszenierungen der niedersächsischen Szene zeigt. Neben zahlreichen Vorträgen und Artikeln wurde 2015 unter ihrer Federführung das Handbuch Soziokultur und 2017 in Zusammenarbeit mit Prof. Wolfgang Schneider und Beate Kegler die Publikation über Entwicklungen in ländlichen Räumen Vital Village veröffentlicht. Sie ist Mitglied in diversen Jurys und unterrichtet zu den Themen Kulturfinanzierung und Changemanagement.

Lucien Lambertz (they/them), geb. 1983 in Unna. Von 2003-2007 studierte Lucien Lambertz Theater- und Medienwissenschaften an der Ruhr-Universität Bochum. Während des Studiums war they für die Ruhrfestspiele Recklinghausen und das Schauspiel Essen tätig und arbeitete als Musiker*in und freie*r Dramaturg*in für verschiedene szenische Projekte. Ab 2008 arbeitete they als Eventmanager*in und Projektleiter*in für die Zeppelin Universität Friedrichshafen, wo they anschließend, von 2008 bis 2010, ein Masterstudium in Communication & Cultural Management absolvierte. Seit 2010 ist Lucien Lambertz auf Kampnagel Hamburg tätig. Als Artistic Coordinator und Dramaturg*in ist they heute vor allem für die Koordination des Spielzeitprogramms verantwortlich und inhaltlich für die Bereiche Queer-Performance, Partizipationsprojekte und genreübergreifende Theaterformate, mit einem Schwerpunkt auf lokal-internationale Zusammenarbeiten; außerdem für Kooperationsprojekte mit Wissenschafts- und Stiftungspartnern. They betreute u.a. das langfristige EU-Projekt ACT- Art, Climate Transition und regelmäßig verschiedene weitere nationale und internationale Kollaborationen auf Kampnagel.

Seit 2010 ist Lucien Lambertz als Coach Mentor*in und Gastdozent*in tätig, unter anderem an der Hochschule für Musik und Theater/ Theaterakademie, Universität Hamburg, Universität Witten/Herdecke, Zeppelin Universität Friedrichshafen, Ruhr-Universität Bochum sowie im Rahmen des Stipendium-Programms stART.up der Claussen-Simon Stiftung. Außerdem übernimmt they regelmäßig Jurytätigkeiten im Feld der Darstellenden Künste.

Anne-Cathrin Lessel, geboren 1987, studierte Theaterwissenschaft, Psychologie und Kulturwissenschaften an der Universität Leipzig. Bis 2011 arbeitete sie unter anderem freischaffend in künstlerischen Projekten mit Kindern und Jugendlichen, vordergründig am Theater an der Parkaue Berlin. Ab 2011 Programm- und Produktionsleiterin am LOFFT – DAS THEATER, dessen Künstlerische Leitung und Geschäftsführung sie 2019 übernahm. Seit 2013 ist sie Vorstandsmitglied des Bundesverbandes Freie Darstellende Künste und seit 2020 Vorstandsmitglied im Landesverband der Freien Theater in Sachsen. Seit vielen Jahren ist sie Mitglied verschiedener Fachjurys u.a. bei der Stadt Leipzig, Kulturstiftung des Freistaates Sachsen, Studienstiftung des deutschen Volkes, beim Nationalen Performance Netz und beim Fonds Darstellende Künste.

Marcus Lobbes arbeitet seit 1995 als Regisseur, Ausstatter und Autor im Musik- und Sprechtheater. Er ist außerdem Direktor der Akademie für Theater und Digitalität, der 2019 neugeründeten, sechsten Sparte am Theater Dortmund. Er arbeitete, unter anderem mit dem Schwerpunkt auf Ur- und Erstaufführungen, an vielen namhaften Schauspiel- und Opernhäusern (z.B. am Schauspiel Düsseldorf, der Deutschen Oper am Rhein, dem Nationaltheater Mannheim, an den Staatstheatern in Kassel, Mainz, Saarbrücken, Darmstadt und Braunschweig, am Schauspiel Dortmund, den Wuppertaler Bühnen, dem Theater Freiburg u.v.a.). Neuartige kollektive Arbeitsformen mit den Ensembles sowie sein enger Kontakt zu zeitgenössischen Autor*innen und Komponist*innen zeichnen sein künstlerisches Arbeiten aus. Seit 2014 wird er regelmäßig als Gastdozent an verschiedene renommierte Hochschulen und Universitäten in Deutschland, Österreich und der Schweiz eingeladen. Als Direktor der Dortmunder Akademie ist er lokal, überregional und international in Vortrags- und Diskursformaten gefragt; ein wichtiges Anliegen ist ihm die Bildung und Förderung verschiedenster Netzwerke für die Darstellende Kunst sowie die Vermittlung der künstlerischen Forschungen in Korrespondenz zu neuesten Technologien an Theater- und Ausbildungsinstitutionen, Politik und Publikum.

Andreas Lübbers *28.05.1961

Abitur. Ausbildung zum Bankkaufmann. Studium der Deutschen Sprache und Literatur sowie Kunstgeschichte – alles in Hamburg. Wanderjahre: 1991 – 2003 Dramaturg an mehreren deutschsprachigen Bühnen. Zurück in Hamburg: 2003 Gründung des Hamburger Sprechwerks – bis heute aktiver Vorstand des Fördervereins // 2005 – 2009 Vorstandsmitglied im Dachverband Freier Theater (heute DfdK) // 2009 Gründung und bis 2022 Vorstand Hamburg Hoch 11 e.V. (Vertretung der kreativwirtschaftlichen Akteure in Hamburg) // 2010 Gründung und Vorstand der WIESE eG // 2014 Gründungsmitglied und Vorstand Trägerverein „hauptsache frei“ // Seit 2015 aktiv im „flausen+ - Bundesnetzwerk“ // 2020 Eröffnung „Theatrales Produktions- und Bildungszentrum WIESE eG“ – seither geschäftsführender Vorstand
Ziel: Steigerung der öffentlichen und politischen Anerkennung der Freien Theaterarbeit und Bildung einer starken Vereinigung kleiner und mittlerer Spielstätten auf Bundesebene.

Anne Maar arbeitete nach dem Abitur als Museumswärterin in Berlin, drehte Kurzfilme (gemeinsam mit Björn Melhus und Andreas Fröhlich) und schrieb zusammen mit Andreas Fröhlich ein Drehbuch, das leider nie verfilmt wurde. 1991 zog sie in ein kleines idyllisches Dorf in Unterfranken. Es folgten viele Regie-assistenzen und wenige Regien am Theater. 1993 erschien ihr erstes Kinderbuch, einige weitere folgten, auch Kindertheaterstücke (gemeinsam mit Christian Schidlowsky). Seit 2003 leitet sie das von ihren Großeltern Lena Hutter und Oskar Ballhaus gegründete Theater Schloss Maßbach - Unterfränkische Landesbühne.

Helge-Björn Meyer war als gefragter Dramaturg, Performer und Kurator bei unterschiedlichsten Festivals und an Theatern im In- und Ausland beschäftigt. Für seine künstlerischen Projekte erhielt er nationale und internationale Auszeichnungen. Von 2018 bis 2019 war er Geschäftsführer des Landesbüros Freie Theater Sachsen, von 2019 bis 2021 leitete er die Servicestelle FREIE SZENE Sachsen für die Belange der freien darstellenden Künste im Freistaat Sachsen.

Lara-Sophie Milagro, Berlinerin, studierte Schauspiel in London und New York und Gesang in Berlin. Sie spielte u.a. am Staatstheater Mainz, Theater Kassel, Gorki Theater Berlin, Residenztheater München und an den Münchner Kammerspielen. Zusammenarbeit mit Regisseur*innen wie Frank Patrick Steckl, Antoine Uitdehaag und Julia Wissert. Als Autorin / Regisseurin schrieb / inszenierte sie „Heimat, bittersüße Heimat“ (Ballhaus Naunynstrasse '11), „Satoe“ (Nationaltheater Mannheim '13), „Dauerkolonie Berlin“ (Ballhaus Naunynstrasse, '18), „Winterzeit (HAU Berlin, '18), „Auf Noahs blutigem Regenbogen tanzen wir“ (Gorki Theater Berlin, '20) und wirkte bei all diesen Produktionen auch als Schauspielerin mit. Sie war zudem in zahlreichen Film- und Fernsehproduktionen zu sehen, u.a. im Tatort Weimar (ARD '17), „Dogs of Berlin“ (Netflix '18) und dem TV-Mehrteiler „Das Geheimnis des Totenwaldes“ (ARD, '20) an der Seite von Matthias Brandt und Karoline Schuch. Sie ist außerdem als Synchronsprecherin tätig, zuletzt für die Netflix Produktion „His House“ ('20) und den Arte Film „Les Heritieres“ ('21). Von 2018-2021 schrieb sie zudem für nachtkritik.de die monatliche Kolumne „Heimatgeschichten“. 2022 wird der Theaterfilm „Emmett, tief in meinem Herzen“ erscheinen (Premiere am Hebbel Theater Berlin), an dem Lara-Sophie Milagro als Schauspielerin, Regisseurin und Produzentin mitgewirkt hat.

llja Mirsky studierte Kognitionswissenschaften an der Universität Tübingen, Politik, Literatur und Psychologie an der Universität Haifa (Israel) und Performance Studies an der Universität Hamburg. Er unterrichtet zu immersiven Medien und digitaler Dramaturgie an der ADK Ludwigsburg, der Universität Tübingen und an der University of Arts Helsinki. Von 2019 bis 2022 war er Dramaturg und regelmäßig auch Programmierer am Institut für theatrale Zukunftsforschung (ITZ) im Tübinger Zimmertheater. Seit der Spielzeit 2022/2023 ist er Dramaturg und Digitaldramaturg am Residenztheater in München.

Michael v. zur Mühlen inszeniert seit 2004 genreübergreifend Schauspiel, Oper und zeitgenössisches Musiktheater u.a. am Forum Neues Musiktheater der Staatsoper Stuttgart, der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz Berlin, der Oper Leipzig, dem Nationaltheater Weimar, dem DT Göttingen, dem Staatstheater Darmstadt, der Staatsoper Berlin und der Oper Halle. In den Spielzeiten 2016/17 - 2020/21 war er Regisseur und Chefdramaturg im Leitungsteam der Oper Halle, deren avanciertes Programm in dieser Zeit deutschlandweit große Beachtung gefunden hat und mehrfach mit Preisen und Auszeichnungen bedacht wurde. So erhielt die Oper Halle beispielsweise in der Saisonbilanz 17/18 der Zeitschrift Die Deutsche Bühne in der Kategorie „Überzeugendste Theaterarbeit abseits großer Theaterzentren“ die meisten Nennungen und wurde 2019 mit dem Theaterpreis des Bundes ausgezeichnet. Neben seiner Tätigkeit als Regisseur und Kurator lehrt Michael v. zur Mühlen im Bereich Regie, Dramaturgie und Theatertheorie. 2019 hatte er die Bertolt-Brecht-Gastprofessur der Stadt Leipzig inne.

Michael Müller ist Teil der Künstlerischen Leitung und Geschäftsführung des TD Berlin. Das Theater- und Produktionshaus hat seinen Schwerpunkt auf text- und sprachbasierten Aufführungen. Als Dramaturg arbeitet er in unterschiedlichen Kontexten und kuratiert das Monologfestival, das alle zwei Jahre je 10 neue Soloproduktionen zu einem aktuellen Thema koproduziert. Er setzt sich u.a. für die Entwicklung der Kulturstandorte Alte Münze und Molkenmarkt in Berlin ein.

Tom Mustroph, geboren in Berlin, ist hier und Palermo als freier Autor sowie freier Dramaturg tätig. Nach einem Studium von Literatur-, Theater- und Kulturwissenschaft in Berlin und Paris operiert er in so unterschiedlichen gesellschaftlichen Subsystemen wie dem Theater, der Kunstszene und dem Sport. Dabei interessiert ihn in erster Linie, wie selbstverantwortliches Arbeiten elegant und unter Einhaltung moralischer Mindeststandards gelingen kann (mitunter in Theater und Kunst) und welche Konstellationen systematisch zum Scheitern führen (Doping, Spielmanipulation und Mafia).

Dan Thy Nguyen ist freier Theaterregisseur, Schauspieler, Schriftsteller und Sänger in Hamburg. Er arbeitete an diversen Produktionen u.a. im Ballhaus Naunynstraße, Mousonturm Frankfurt, auf Kampnagel, beim MDR und an der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen. 2014 entwickelte und produzierte er das Theaterstück „Sonnenblumenhaus“ über das Pogrom von Rostock -Lichtenhagen, das 2015 in seiner Hörspielversion die „Hörnixe“ gewonnen hat und bis heute noch an diversen Institutionen gespielt wird. Seit 2020 leitet er mit seiner Produktionsfirma Studio Marshmallow das Hamburger Festival „fluctoplasma – 96h Kunst Diskurs Diversität“ und er ist stellvertretender Vorstand der LAG Kinder- und Jugendkultur Hamburg. 2021 erhielt er zusammen mit dem Gesamtensemble den Deutschen Hörspielpreis für seine schauspielerische Leistung. 2022 veröffentlichte er u.a. seinen ersten Gedichtband „Über Wasser und Tote“ und kokuratierte 2023 die Ausstellung „Wer wir sind“ in der Bundeskunsthalle Bonn.

Matthias Pees, geboren 1970 in Georgsmarienhütte, hat als Intendant und Geschäftsführer des internationalen Produktionshauses Künstlerhaus Mousonturm in Frankfurt am Main (2013–2022), Leitender Dramaturg der Wiener Festwochen (2010–2013), Gründer und Ko-Geschäftsführer des internationalen Produktionsbüros prod.art.br in São Paulo (2004–2010), Programmdramaturg der Ruhrfestspiele Recklinghausen (2003–2004), Theaterdramaturg am schauspielhannover (2000–2003) und an der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz (1995–2000) sowie zuvor als Kulturjournalist und Theaterkritiker Erfahrungen in verschiedenen Bereichen und auf mehreren Seiten der darstellenden Künste gesammelt. Perspektivwechsel, kooperatives Arbeiten und „transformative Praktiken“ standen dabei erklärtermaßen im Zentrum seines Interesses; Themen wie globale Solidarität und Postkolonialismus, Zusammenhang und Zukunft von Internationalität und Diversität prägten seine Spielpläne und Projekte. In Frankfurt und der Rhein-Main-Region initiierte oder mitgestaltete er große interdisziplinäre Festivals und Kooperationsprojekte u. a. mit dem Ensemble Modern, dem Jüdischen Museum Frankfurt, dem Hessischen Staatsballett oder zuletzt mit dem Schauspiel Frankfurt, dem Museum Angewandte Kunst und der Frankfurter freien Szene für die Ausrichtung der Festivals „Politik im freien Theater“ der Bundeszentrale für politische Bildung/bpb und „Theater der Welt“ des Internationalen Theaterinstituts (ITI).

Matthias Pees is also a member of the management board of Kulturveranstaltungen des Bundes in Berlin (KBB) GmbH, which continues to include Mariette Rissenbeek, Charlotte Sieben and Bernd M. Scherer.

Neben ihrer Tätigkeit als Künstlerische Co-Leiterin des Ballhaus Ost arbeitet Tina Pfurr als Kuratorin, Performerin, Schauspielerin und Sprecherin und entwickelt zudem eigene Projekte. Pfurr ist seit 2017 Vorstandsmitglied des LAFT Berlin und regelmäßiges Mitglied von Vergabe- und Festivaljurys (u.a. 2017-2020 Kulturbehörde Hamburg; 2021 Körber Stiftung Junge Regie). Zuletzt realisierte sie die Performance I just called to say.. sHe’s dead., die im Februar 2021 als 5-Teilige Videoarbeit online veröffentlicht wurde. Seit 2014 tourt sie mit der Tanzkaraoke Performance copy & dance um die Welt. Pfurr produziert auch Videoarbeiten, die beiden Videoaessays Applied AXXXD-Gendering (2017) und SelfFanfic – Ein Exorzismus (2019) wurden bei verschiedenen Festivals gezeigt. In den letzten Jahren arbeitete sie an verschiedenen Theatern, weltweit, als Performerin und Schauspielerin und konzipiert performative Moderationen. Neben ihrer Theatertätigkeit ist sie zudem als Schauspielerin für Film und Fernsehen tätig.

Tobias Rausch arbeitet seit 2001 als Regisseur und Autor an zahlreichen Stadttheatern und Spielstätten der freien Szene. Er ist Mitbegründer des Kollektivs LUNATIKS, dem er bis 2015 angehörte. Seit 2019 leitet er die Bürger:Bühne am Staatsschauspiel Dresden. Schwerpunkte seiner Arbeit liegen auf Rechercheprojekten und auf Inszenierungen zum Thema Klima & Natur, wie etwa dem botanischen Langzeittheater DIE WELT OHNE UNS (2009-2014) oder dem Klima-Theater-Desaster TORNADO. Er wurde u.a. mit dem Otto-Kasten-Preis der Intendantengruppe im Deutschen Bühnenverein 2012 und dem Bremer Autoren- und Produzentenpreis 2007 ausgezeichnet. Zusammen mit dem Komponisten Marc Sinan und dem Regisseur Konrad Kästner gewann er mit dem Opernprojekt CHAOSMOS den NO!peras-Wettbewerb im Fonds Experimentelles Musiktheater 2019. Er hatte Lehraufträge u.a. am Mozarteum Salzburg, der Zürcher Hochschule für Künste und der Universität der Künste Berlin. Gemeinsam mit Ruth Feindel und Birgit Lengers hat er die Berliner Recherchetheatertage am Deutschen Theater (2016) kuratiert und 2019 die Konferenz „Klima trifft Theater“ in der Heinrich-Böll-Stiftung initiiert.

- 1958 geboren in Potsdam

- seit 1981 als Puppenspieler, später auch als Schauspieler, in verschiedenen freien Potsdamer Projekten

- von 1985 – 1987 absolvierte er am „Zentralhaus für Kulturarbeit“ in Leipzig den Studiengang „Leiter eines Volkskunstkollektives“ im Puppenspiel.

- 1993 -1998 fabrik Potsdam Öffentlichkeitsarbeiter und Spielstättenleiter

- 1995 Mitbegründer des Landesverband Freier Theater Brandenburg e.V.

- seit 1998 Geschäftsführer des Landesverbandes Freier Theater Brandenburgs e.V.

Sabine Reich, geboren 1966, studierte in Bonn, Bochum und Madrid Komparatistik, Philosophie und Theaterwissenschaft. Erste Dramaturgiemitarbeit am Schauspielhaus Bochum, Assistenz am Burgtheater Wien, danach freie Dramaturgin in Mülheim, Berlin und New York, Lehrbeauftragte der Theaterwissenschaft an der Ruhr-Universität Bochum, 2004 im Team von Frank Castorf bei den Ruhrfestspielen Recklinghausen. Von 2005 - 2010 Dramaturgin am Schauspiel Essen beteiligt u. a. an den Projekten „Eichbaumoper“ und für Frie Leysen im Team von „Theater der Welt 2010“. Ab 2010 am Schauspielhaus Bochum, 2013-2015 als leitende Dramaturgin, verantwortlich u.a. für das DETROIT-PROJEKT. 2017 übernahm sie die Programmleitung von „Tanzland“ für die Kulturstiftung des Bundes in Trägerschaft des Dachverband Tanz Deutschland. 2018/19 Projektleitung und Konzept für OWELA, ein Performance Festival der Ruhrfestspiele Recklinghausen und des Kaleni Kollektivs Windhoek in Recklinghausen und Windhoek, gefördert im Fonds TURN der Kulturstiftung des Bundes. 2019-2022 war sie Chefdramaturgin und stellvertretende Intendantin am Schauspiel Dortmund (Intendanz Julia Wissert).

Sarah Reimann hat Dramaturgie an der Hochschule für Musik und Theater „Felix Mendelssohn Bartholdy“ Leipzig und Theaterwissenschaft an der Freien Universität Berlin studiert. Nach verschiedenen Stationen als freie Dramaturgin, u.a. am FFT Düsseldorf, arbeitet sie seit 2012 am HAU Hebbel am Ufer, mittlerweile als Kuratorin für die digitale Bühne HAU4 (www.hau4.de). Gemeinsam mit Annemie Vanackere ist sie Herausgeberin des Bandes: „Utopie und Feminismus“ (Matthes & Seitz Berlin).

Wilma Renfordt (*1982, aufgewachsen im Ruhrgebiet) studierte Theaterwissenschaft, Kunstgeschichte und Literaturwissenschaft an der Freien Universität Berlin; Abschluss mit einer Arbeit über Theater im öffentlichen Raum der Stadt. 2008–2013 war sie Dramaturgin der Theatergruppe copy & waste, sowie 2009–2013 künstlerisch-wissenschaftliche Mitarbeiterin im Projektbüro Friedrich von Borries in Berlin. Weitere Zusammenarbeiten u. a. mit Daniel Hellmann, Kiriakos Hadjiioannou, Rimini Protokoll und der Theorie- und Praxisgemeinschaft Dr. Fahimi. Sie verfasste u. a. einen Begleitband zur Ausstellung „Wohnungsfrage“ des Haus der Kulturen der Welt in Berlin (2015) und einen Band zu künstlerischer Forschung („Klimakunstforschung“, Merve, 2011). Für die Festival-Ausgabe 2017 war sie Dramaturgin beim steirischen herbst in Graz. Seit 2017 ist sie Dramaturgin beim Impulse Theater Festival.

Gregor Runge, geboren in Dresden, studierte Theaterwissenschaft und Komparatistik in Bochum und arbeitete u. a. für die Theaterfestivals Impulse und FAVORITEN. Ab 2011 arbeitete er als Dramaturg vor allem mit Samir Akika/Unusual Symptoms und dem Theater im Pumpenhaus Münster zusammen. 2012 ging er als Dramaturg an das Theater Bremen. 2015 und 2017 co-leitete er hier das internationale Performing Arts Festival OUTNOW! in Kooperation mit der Schwankhalle Bremen. Für das Goethe-Institut entstanden Projekte u. a. in Nowosibirsk und für das Goethe-Institut Ukraine. Seit der Spielzeit 2018/2019 leitet er gemeinsam mit Alexandra Morales die Tanzsparte des Theater Bremen mit der Kompanie Unusual Symptoms. Unter ihrer Co-Leitung entstehen neben der Arbeit von Hauschoreograf Samir Akika Produktionen mit international renommierten Choreograf*innen wie Faye Driscoll, Adrienn Hód, Máté Mészáros und Núria Guiu Sagarra. Zwei der seitdem entstandenen Arbeiten waren 2020 zur Tanzplattform Deutschland eingeladen. Gregor Runge ist regelmäßig Mitglied verschiedener Jurys, u.a. von 2018 - 2021 im Kuratorium des Fonds Darstellende Künste sowie für das Land NRW. Darüber hinaus initiierte und verantwortet er die Konzertreihe Theater Bremen CLUB, die regelmäßig Künstler*innen der globalen Jazz- und Poplandschaft erstmals in Bremen präsentiert.

Tim Sandweg studierte Theaterwissenschaft und Deutsche Philologie an der Freien Universität Berlin, bevor er 2009 als Dramaturg ans Puppentheater der Stadt Magdeburg ging; dort auch Co-Künstlerische Leitung des internationalen Figurentheaterfestivals "blickwechsel". Seitdem diverse Stückentwicklungen, Bühnenadaptionen, Formatentwicklungen, Arbeiten als Dramaturg, Veröffentlichungen und Performances in unterschiedlichen Produktions- und Arbeitskontexten. Seit 2009 gehört Tim Sandweg der Redaktion des Magazins für Puppen-, Figuren- und Objekttheater "double" an und ist aktuell Vorstandsmitglied des Deutschen Forums für Figurentheater und Puppenspielkunst. Diverse Dozenten- und Jury-Tätigkeiten. Seit Beginn der Spielzeit 2015/16 ist Tim Sandweg Künstlerische Leiter der Schaubude Berlin und des internationalen Festivals Theater der Dinge.

Ilona Schaal ist Theaterproduzentin und Kuratorin. Sie studierte Theaterwissenschaft an der Universität Leipzig und Theater- und Orchestermanagement an der HfMDK in Frankfurt/Main. Sie arbeitete als Produktions- und Projektleiterin für verschiedene Kompanien und Kulturinstitutionen (u.a. Goethe-Zentrum Hyderabad, fringe Ensemble Bonn), bevor sie 2017 innerhalb eines Dreier-Leitungsteams die Programmdirektion der Schaubühne Lindenfels in Leipzig übernahm. 2022 leitet sie ein Online-Art Lab für deutsche und ukrainische Künstler*innen. Sie ist im Vorstand des Landesverbands Freie Theater in Sachsen und als Expertin beim Performing Arts Program Berlin tätig. Ab Herbst 2023 übernimmt sie gemeinsam mit Bastian Sistig die Leitung des Theater Rampe in Stuttgart.

Martin Jörg Schäfer lehrt seit 2014 Theaterforschung an der Universität Hamburg. Er forscht derzeit zu prozessual und gemeinsam generierten Textformen in Theater und Performance der Gegenwart, außerdem zu Theater- und Performancemanuskripten im Zeichen der Digitalisierung. 2014-2021 Ko-Leitung des MA Performance Studies der Universität Hamburg. 2014 Mitorganisation des von der geheimagentur initiierten Kongresses „The Art of Being Many“ auf Kampnagel. Seit 2015 Mitkurator der „DachSalon“-Gesprächsreihe über Theater und Politik am Hamburger Schauspielhaus. Für die Saisons 2016/17 bis 2019/20 Mitglied der Jury der Hamburger Behörde für Kultur und Medien für die Förderung von Projekten der Freien Darstellenden Künste in der Sparte Sprechtheater/Musiktheater/Performance sowie in der übergreifenden Nachwuchs- und Konzeptionsförderung. 2017 Leitungsteam der Jahrestagung von Performance Studies international „OverFlow“ auf Kampnagel im Rahmen von „Theater der Welt“. Seit 2020 Mitglied der Jury für den Start Off-Preis des Lichthof Theaters und der Hamburgischen Kulturstiftung.

Beata Anna Schmutz wurde 1975 in Danzig, Polen geboren. Nach ihrem Germanistikstudium an der Universität Gdańsk setzte sie ihre universitäre Ausbildung in den Fächern Kunstgeschichte, Erziehungswissenschaft und Literaturwissenschaft an der Ruprecht Karls Universität Heidelberg fort. Sie ist künstlerische Leiterin zahlreicher theater-, kunst- und medienpädagogischer Projekte und war von 2005 bis 2016 kulturpädagogische Mitarbeiterin im Haus der Jugend Heidelberg, wo sie die Bereiche Kunst und Theater leitete. Seit 2006 freie Regisseurin und Dramaturgin, Hochschul-Lehrtätigkeiten in den Bereichen Ästhetische Bildung, Postdramatisches Theater und Performance. 2005 gründete sie die Theater- und Performancegruppe RAMPIG, dort ist sie als Regisseurin und Dramaturgin tätig. Von 2016 bis 2018 war sie Leiterin der Sparte Volkstheater am Badischen Staatstheater Karlsruhe. Seit 2018 leitet sie das Mannheimer Stadtensemble am Nationaltheater Mannheim. Seit 2016 im Vorstand der Dramaturgischen Gesellschaft.

Philipp Schulte ist Professor mit Schwerpunkt Szenographie- und Performancetheorie an der Norwegischen Theaterakademie (Fredrikstad), Gastprofessor für Szenographie an der Hochschule für Gestaltung Karlsruhe sowie Geschäftsführer der Hessischen Theaterakademie (Frankfurt/M.). Er studierte Angewandte Theaterwissenschaft in Bergen (Norwegen) und Gießen, wo er 2011 promovierte. Nach der Promotion arbeitete er acht Jahre lang als wissenschaftlicher Mitarbeiter in Gießen. Seit 2012 leitet er von ihm konzipierte Internationale Festivalcampus- und Akademieformate (Ruhrtriennale, Theaterformen Hannover/Braunschweig, KunstFestSpiele Herrenhausen (gemeinsam mit Antonia Rohwetter)). Als freier Autor und Dramaturg arbeitete er u.a. für das zaungäste ensemble (Frankfurt/M.), Liam Al-Zafari (Oslo), Mamoru Iriguchi (Edinburgh), Andreas Bachmair (Amsterdam), Mathias Max Herrmann (Hannover) und das inklusive Performancekollektiv I Can Be Your Translator (Dortmund). Er hat zahlreiche Aufsätze und Bücher veröffentlicht. Schulte lehrte und lehrt Theatertheorie an unterschiedlichen Universitäten und Kunsthochschulen in Deutschland und Norwegen. Er lebt in Frankfurt am Main.

Matthias Schulze-Kraft ist der künstlerische Leiter des LICHTHOF Theaters, Spiel- und Produktionsstätte für freies Theater in Hamburg. Von Haus aus Regisseur, arbeitet er seit 1986 in den unterschiedlichsten Funktionen und Produktionszusammenhängen im Theater. Stationen waren unter anderem das Ulmer Theater, die Pocket Opera Company Nürnberg, das Schauspiel Frankfurt und diverse freie Produktionen. Seit 2006 das LICHTHOF Theater Hamburg, ab 2008 als künstlerischer Leiter. Nach einem Weiterbildungsstudium zum „Kultur- und Bildungsmanager“ (HWP Hamburg) und diversen weiteren Weiterbildungen (Change Manager, Management Trainer, Business Coach, Qualitätsmanager), entwickelte er seit dem Jahr 2000 sein zweites berufliches Standbein als Dozent, Berater und Coach vor allem in der Qualifizierung von Führungskräften und in der Organisationsberatung. Seit 2019 ist er im Vorstand des Bundesverbands Freier Darstellender Künste (BFDK). 2014 bis 2019 war er Kuratoriumsvorsitzender des Fonds Darstellende Künste, er war Jurymitglied unter anderem des „Theaterpreis des Bundes“ (2019), des „Reload“-Programms der Kulturstiftung des Bundes (2020) und des Körber Studios Junge Regie (2021).

Theresa Schütz arbeitet seit 2015 als wissenschaftliche Mitarbeiterin am interdisziplinären Sonderforschungsbereich "Affective Societies. Dynamiken des Zusamenlebens in bewegten Welten" an der FU Berlin. Im Rahmen dessen promovierte sie 2021 zu Strategien der Publikumsinvolvierung im immersiven Theater („Theater der Vereinnahmung“, Berlin 2022); weitere Schwerpunkte in Forschung und Lehre sind Künstler*innenkollektive in Geschichte und Gegenwart, dis_ability aesthetics und institutioneller Wandel in Künsten und Kulturbetrieben. Weiterbildend hat sie Kultur- und Medienmanagement an der Hochschule für Musik und Theater in Hamburg studiert. Im Sommersemester 2024 lehrte sie als Gastprofessorin für Philosophie an der Folkwang Universität der Künste. 
Seit 2013 publiziert sie regelmäßig Theater- und Performancekritiken, vornehmlich für Theater der Zeit und nachtkritik; Jurytätigkeiten für NEUSTART KULTUR-Programme, Theaterpreis des Bundes und Preis der jungen Dramatik. 

Ulrike Seybold ist seit Januar 2020 Geschäftsführerin des NRW Landesbüro Freie Darstellende Künste. Seit Oktober 2015 ist sie Beisitzerin im Vorstand des Bundesverbands Freie Darstellende Künste und von 2013 bis Ende 2019 war sie Geschäftsführerin des Landesverbands Freier Theater in Niedersachsen. Vor ihrer Verbandstätigkeit arbeitete sie viele Jahre freiberuflich als Produktionsleitung und Pressemitarbeiterin für verschiedene Kultur- und Theaterprojekte. Sie studierte an der Ruhruniversität Bochum Publizistik, Geschichte und Politikwissenschaft, absolvierte eine Weiterbildung zur Kulturmanagerin in Neuss und ging parallel journalistischen Tätigkeiten u.a. für die taz und den WDR nach.

Esther Slevogt ist Autorin, Kritikerin und Chefredakteurin des Theaterportals nachtkritik.de, das von ihr mitgegründet wurde. Sie schreibt über theaterhistorische Themen im Kontext von Politik und Ästhetik im 20. Jahrhundert, u.a. die 2011 im Verlag „Kiepenheuer und Witsch“ erschienene Wolfgang-Langhoff-Biografie „Den Kommunismus mit der Seele suchen“. Ein weiterer Schwerpunkt ist die jüdische Nachkriegsgeschichte in Deutschland. Spezielles Interesse gilt den Folgen der Digitalisierung für die tradierte Kulturtechnik Theater. Sie ist Miterfinderin der Konferenz Theater & Netz.

Nach einem literatur- und geschichtswissenschaftlichen Studium findet Katja Spiess durch die programmatische und organisatorische Mitarbeit bei verschiedenen Kulturfestivals (u.a. „Theater der Welt“, „Natur im Kopf – Kongress zum Naturbegriff der Gegenwart“) Eingang in die Stuttgarter Kulturszene. Dem FITZ! Zentrum für Figurentheater gehört sie seit 1993 an. In den ersten Jahren zuständig für die Presse- und Öffentlichkeitsarbeit, übernimmt sie ab 1998 in Zusammenarbeit mit Helmut Pogerth, ab 2001 alleinverantwortlich, die Theaterleitung des FITZ. Katja Spiess ist außerdem künstlerische Leiterin des Internationalen Figurentheaterfestivals IMAGINALE und Redaktionsmitglied der Theater-Fachzeitschrift „double“.

Ella Steinmann studierte Philosophie und Religionswissenschaften in Bochum. Nach ihrer Tätigkeit als Projektreferentin im Bereich Kulturelle Bildung bei der Stiftung Mercator in Essen wechselte sie 2016 zur Zukunftsakademie NRW, einem Verein für Diversität in Kunst, Kultur und Kultureller Bildung. Neben der Beratung und Begleitung von Kulturinstitutionen gestaltete sie dort Weiterbildungs- und Austauschformate. Im Master Szenische Forschung in Bochum beschäftigt sie sich mit den Möglichkeiten der Wissensgewinnung durch performative Kunstformen. Seit Juli 2019 ist sie eine der beiden Agentinnen für Diversitätsentwicklung im Rahmen des Programms „360° – Fonds für Kulturen der neuen Stadtgesellschaft“ der Kulturstiftung des Bundes am Theater Oberhausen.

Felizitas Stilleke ist freie Dramaturgin, Künstlerin und Kuratorin. Sie leitet Konferenzen, wie z.B. den B.A.L.L. – Bundesweites Artist Labor der Labore 2022, den Branchentreff 2019-2021, das Bundesforum 2017 oder den RATSCHLAG DER VIELEN 2019, und übernimmt Festivaldramaturgien (Berliner Theatertreffen 2018, Impulse Theaterfestivals 2017 (unter Florian Malzacher) oder gemeinsam mit Johanna Yasirra Kluhs das Theaterfestival FAVORITEN 2014) und ist als Produktionsdramaturgin in NRW, Berlin, Amsterdam und Zürich unterwegs. Sie absolvierte ihren Bachelor der Germanistik/Erziehungswissenschaften in Bochum sowie einen Master in Kulturpoetik an der Wilhelms-Universität in Münster. 2018/19 studierte sie im Rahmen des internationalen Masterstudiums bei DAS theatre in Amsterdam „Expanded Curation“. 2020 startete sie am Ballhaus Ost eine Reihe von Podcast-Sessions unter dem Titel „The Mother in Me is the Mother in You“, in welcher sie das Thema Nicht-/Noch-nicht-/Nicht-mehr-/Vielleicht-/Mutterschaft einer kollektiven Diskursumwidmung unterzieht.

Antje Thoms, Regisseurin und Autorin, wurde in Stralsund geboren, studierte Angewandte Theaterwissenschaften in Gießen und war anschließend Regieassistentin am Niedersächsischen Staatstheater Hannover. Dort arbeitete sie u.a. mit Sebastian Nübling, Andreas Kriegenburg, Luk Perceval und Jossi Wieler zusammen. Seit 2003 ist sie freiberuflich tätig. 2007 gründete sie zusammen mit dem Autor Jens Nielsen und dem Schauspieler Dominique Müller die freie Zürcher Theaterformation Trainingslager. Seit der Spielzeit 14/15 ist Antje Thoms Hausregisseurin am Deutschen Theater Göttingen bei Intendant Erich Sidler. 2020 absolvierte sie als Stipendiatin des Deutschen Bühnenvereins die berufsbegleitende Weiterbildung „Theater- und Musikmanagement“ an der LMU München, 2021 nimmt sie am Mentoring-Programm „Frauen in Kultur und Medien“ vom Deutschen Kulturrat teil.

Prof. Dr. Renée Tribble leitet das Fachgebiet StädteBauProzesse – Städtebau, Bauleitplanung und Stadtgestaltungsprozesse – an der Fakultät Raumplanung der TU Dortmund. Zuvor war sie Gastprofessorin für Stadtmanagement und Stadtentwicklungsplanung an der Universität Kassel sowie Professorin für Planungstheorie und -methodik an der TH OWL Detmold. Nach ihrem Studium der Architektur an der Bauhaus-Universität Weimar (Diplom 2005) war sie in Architektur- und Planungsbüros tätig und unterrichtete an der HafenCity Universität (HCU) Hamburg als wissenschaftliche Mitarbeiterin (2008 – 2014) und Lehrbeauftragte. In ihrer Doktorarbeit (2021) beschäftigt Sie sich mit künstlerischen Methoden der Stadtentwicklung unter dem Titel „Reizungen und Reaktionen: Kunst und Planung“. Sie ist Mitgründerin und Gesellschafterin der PlanBude Hamburg, von projektbüro Hamburg sowie ehrenamtliches Vorstandsmitglied der fux eG.

Nach ihrem Studium des Figurentheaters und der Dramaturgie führten Gast-Engagements Kora Tscherning u.a. an das Staatstheater Stuttgart, die Semperoper Dresden und das Volkstheater Bautzen. Seit 2011 arbeitet sie freischaffend in der Gruppe "FigurenKombinat". Parallel dazu übernahm sie ab 2016 die Leitung der Sparte "Figurentheater" an den Landesbühnen Sachsen. Seit der Spielzeit 2019/20 ist Kora Tscherning als Puppentheaterdirektorin des Staatstheaters Meiningen tätig und strebt danach, mit Witz und Verve anspruchsvolles Puppentheater für Meiningen und die Region zu ermöglichen.

Prof. Dr. Margarita Tsomou ist Kulturwissenschaftlerin und arbeitet von Berlin aus als Autorin, Dramaturgin, Moderatorin, Kuratorin und Professorin. Sie hat 2008 das popfeministische Missy Magazine mitgegründet, ist Kuratorin für Theorie und Diskurs am HAU Hebbel am Ufer in Berlin und Professorin für Zeitgenössische Theaterpraxis an der Hochschule Osnabrück. Zwei ihrer jüngsten kuratorischen Arbeiten sind z.B. die Reihe Burning Futures: On Ecologies of Existence im HAU-Hebbel am Ufer und die Veranstaltungsreihe der Apatride Society im diskursiven Programm von Paul B. Preciado der Documenta 14.

Linda Vahldieck ist seit 2021 Projektleiterin des Förderprogramms „Verbindungen fördern“ des Bundesverbands Freie Darstellende Künste. Zuvor arbeitete sie seit 2018 als administrative Projektleitung für EU-geförderte Projekte im Tanzbüro Berlin und hatte seit 2008 in Berlin verschiedene Projektmanagement-Positionen im kultur- und bildungspolitischen Bereich inne, z.B. in Zusammenarbeit mit der Deutschen UNESCO-Kommission sowie Goethe-Instituten und DAAD-Büros im Ausland. Seit 2011 ist sie Mitglied des Kuratoriums für LUCKY TRIMMER, einem jährlichen Tanz- und Performancefestival in Berlin, seit 2013 auch im Vorstand des Vereins tätig und zuständig für die Produktionsleitung wie auch die Presse- und Öffentlichkeitsarbeit. 2021 war sie Jurymitglied für die Turin-Ausgabe von SOLOCOREOGRAFICO, einem Solo Tanz Festival in Frankfurt am Main, Turin und Lyon.

Anna Volkland studierte Dramaturgie in Leipzig (2009 Diplomarbeit "Theater ohne Bühne") und Tanzwissenschaft in Berlin. Sie arbeitet seitdem u.a. als Dramaturgin und Kuratorin für Schauspiel, Tanz und ungewöhnliche theatrale Formate und schreibt seit 2010 über Theater und Tanz. Von 2014 bis 2020 war sie wissenschaftliche Mitarbeiterin an der Universität der Künste Berlin, wo sie zur Geschichte von Institutionskritik im Stadttheater der BRD und DDR seit den späten 1960er Jahren zu forschen begann. Dort initiierte sie u.a. auch das biennale Symposium „Performances von [Weiblichkeit] in den darstellenden Künsten“ (2016 - 2022 ff) und unterstützte bis 2019 das Qualifizierungsprogramm Artist Training für geflüchtete Künstler*innen als Modulleiterin für Performing Arts. Sie unterrichtet(e) u.a. kritische Theatergeschichte, erweiterte Aufführungsanalyse oder experimentelle interdisziplinäre künstlerische Praxis und lehrt als Gastdozentin, seit 2019 etwa an der HfS „Ernst Busch“ Berlin. Ab 2016 Texte, später auch Vorträge zu Fragen machtkritischer, demokratischer Organisationsweisen und (künstlerischer) Arbeit im Theater.

Nadine Vollmer (sie/ihr) arbeitet seit 15 Jahren als Dramaturgin zusammen mit Künstler*innen und für Festivals und Kulturinstitutionen der darstellenden und performativen Künste (u.a. Berliner Festspiele, Theater der Welt, Impulse Theater Festival, Akademie der Künste, HAU Hebbel am Ufer). Sie interessiert sich für kritische Raum-, Vermittlungs- und Institutionspraxis und arbeitet häufig in interdisziplinären Konstellationen und Projekten, die sich außerhalb von Theater- oder Museumsräumen in urbanen Zusammenhängen bewegen (u.a. seit 2021 im eigenen Projekt A BOOK IS A ROOM). Sie studierte Medien- und Kulturwissenschaft in Düsseldorf, Dramaturgie in Frankfurt am Main sowie Kulturen des Kuratorischen an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig. Sie lebt mit ihrer Familie in Berlin.

Birgit Walkenhorst studierte Theaterwissenschaft in Mainz, Frankfurt/Main, Reading und Bologna. In diesem Fach hat sie geforscht, gelehrt und publiziert. Sie arbeitete für verschiedene Bühnenverlage; als Redaktionsassistentin betreute sie die Spielplanjournale der INTHEGA. Sie wirkte mit in den Organisations- und Kommunikationsteams internationaler Festivals (Mousonturm, KJTZ, Staatstheater Wiesbaden). Von 2011 bis 2015 war sie verantwortlich für Öffentlichkeitsarbeit und Programmplanung beim Internationalen Theater Frankfurt. Seit 2015 ist sie Geschäftsführerin des Landesverbandes professioneller freier Theater Rheinland-Pfalz, laprofth.

Caspar Weimann (er*/they) hat eine Professur und ein Mentorat für Schauspiel an der ADK Baden-Württemberg; ist eine initiierende Kraft des freien Internettheaters onlinetheater.live und der App „Loulu“ (Amadeu Antonio Preis 2021, Heidelberger Stückemarkt 2022); übernimmt die Seminar- und Workshopleitung zu digitalen und hybriden Theaterstrategien, zu partizipativem Theater im Netz und zur Theatralität von Social Media; hat eine Gleichstellungsbeauftragung an der ADK Baden-Württemberg mit bes. Fokus auf Queer Empowerment und beschäftigt sich mit einem Wandel des Schauspielbegriffs der Gegenwart.

Jessica Samantha Starr Weisskirchen begann ihre Theaterlaufbahn als Regieassistentin am Theater und Orchester Heidelberg und wechselte später ans Nationaltheater Mannheim. Hier realisierte sie erste Arbeiten während ihrer Assistenzzeit (DIE TONIGHT, LIVE FOREVER oder DAS PRINZIP NOSFERATU von Sivan Ben Yishai, 2020) und als Regisseurin (EIN KÖRPER FÜR JETZT UND HEUTE von Mehdi Moradpour, 2021). 2022 eröffnete sie die Spielzeit des Theater Dortmund mit WOYZECK. 2023 wird sie die Spielzeit in der ‚Box’ des Deutschen Theaters Berlin eröffnen. Sie ist Gründerin des assistierenden-netzwerks und mittlerweile Vorstand des ensemble-netzwerks e.V. Sie ist Initiatorin und Gründerin des Assistierenden-Festivals SUMMER UP und Jurymitglied der Prozessförderung des Fonds Darstellende Künste. 2022 schloss sie erfolgreich den Master of Arts Studiengang, Theater- und Orchestermanagement, an der HfMDK in Frankfurt am Main ab. In diesem Jahr veröffentlicht die Kulturpolitische Gesellschaft den Sammelband „Systemkritik! Essays für eine Kulturpolitik der Transformation“ mit ihrem Artikel „Nur die Bretter, die die Welt bedeuten“.

Stefanie Wenner ist Mutter, Begleiterin eines Hundes, promovierte Philosophin und seit 2015 Professorin für Angewandte Theaterwissenschaft an der HfBK Dresden. Mit ihrem Label apparatus arbeitet sie an besseren Darstellungen von Wirklichkeit mit den Mitteln der Kunst.

Silvia Werner studierte Anglistik (M.A.) und Fennistik (B.A.) mit dem Schwerpunkt Literaturwissenschaft an der Universität zu Köln. Als Kulturmanagerin hat sie viele Jahre vorrangig im Bereich des zeitgenössischen Tanzes in NRW, bundesweit und auch international Produktionen begleitet und mit Künstler*innen zusammengearbeitet. Ergänzt wurde diese Arbeit um Lehraufträge sowohl an der Universität zu Köln als auch am Zentrum für Zeitgenössischen Tanz (ZZT) in Köln.
Seit 2021 leitet sie den FESTIVALFRIENDS-Verbund mit Sitz in Dortmund, dessen Ziel die bundesweite, überregionale Vernetzung von Festivalmacher*innen und Künstler*innen ist.

Katharina Wolfrum studierte Theaterwissenschaft, Neuere Deutsche Literatur und Psychologie in München und Stockholm sowie Kultur- und Medienmanagement in Berlin. An der Freien Universität Berlin arbeitete sie am Creative Industries Competence Center und forschte insbesondere zu Orten kreativer Entfaltung im urbanen Raum. Dieses Thema hat Katharina dann 2015 auf das Kreativquartier München gezogen: zunächst als künstlerische Produktionsleitung am PATHOS Theater und bald mit eigenen Initiativen wie dem Theaterbüro München - einer Beratungsstelle für die freien darstellenden Künste - oder dem Kollektiv „Büro Grandezza e. V.“. Darüber hinaus engagiert sie sich für die Weiterentwicklung dieses Kreativquartiers als einem zentralen Ort für die freie Szene Münchens mit besonderem Augenmerk auf „Nachhaltigkeit und Kultur“. Seit Anfang 2020 ist Katharina zuständig für die Theater-, Film- und Kinoförderung des Kulturreferats der Landeshauptstadt München.

Freier Theatermacher seit 1994; Tom Wolter ist Gründungsmitglied des freien ensemble p&s und seit 2017 künstlerischer Leiter des WUK Theater Quartier in Halle; seit 2014 künstlerischer Leiter des Studierendentheater der Uni Halle; Produzent von Interventionen und Interaktionen im Öffentlichen Raum; bisher 115 eigene Theaterproduktionen als Schauspieler/ Regisseur/ Autor für alle Altersgruppen; Kooperationen mit verschiedenen Theatern bundesweit, darunter junges theater Göttingen, theaterhaus Stuttgart, Theater unter dem Dach Berlin, Projekttheater Dresden, moritzbastei Leipzig, Theater an der Angel Magdeburg, Puppentheater Halle, Oper Halle und anderen; Schauspiellehrer an verschiedenen Einrichtungen, Werkstätten zu Politik, Theater und Schauspiel, Improvisation bundesweit und international; Dozent bisher u.a. an der Theaterakademie Sachsen, der Hochschule für Musik und Theater Leipzig, Uni Halle und der Hochschule Merseburg; Tom Wolter engagiert sich kulturpolitisch und kommunalpolitisch. Er ist seit 2005 Stadtrat in Halle (Saale) für MitBürger e.V., seit 2019 Fraktionsvorsitzender der Fraktion MitBürger & Die PARTEI; seit 2015 Vorstandsmitglied des Bundesverbandes der Freien Darstellenden Künste. Seit 2019 ist er Mitglied im Kuratorium der Ständigen Konferenz der Deutschsprachigen Schauspielschulen und im Theaterbeirat des Freistaat Thüringen.