Premieren

Mit Borrowed Gesture lädt INTER_SECTION, Claudia Schmitz & Sabine Erklentz, das kontingente Dritte, einen custom-made Algorithmus, als Derivat der Pandemie ein. Die dezentrale Bühnenstruktur des Projektes hinterfragt hierarchische narrative Muster gängiger Formate. Die Performerinnen geben bewusst einen Teil der Kontrolle, Urherberinnenschaft zu Gunsten eines neuen Erfahrungsraums ab.

Basierend auf Interviews mit Betroffenen & mittels 3D Sound, szenischen Fragmenten und dokumentarischen Videos untersucht The Holy Bitch Project häusliche, sexualisierte & digitale Gewalt gegen Frauen & die jahrtausendealte strukturelle Ungleichheit der Geschlechter. Der Abend macht sich die von der Alt-Right gekaperte Welt des Films „Matrix“ zu eigen & etabliert ein feministisches Gegennarrativ.

Das Trio „HORIZON PROBLEMS“ ist die Weiterentwicklung von Judith Försters künstlerischer Forschung zu choreografischen Weltentwürfen, queer-feministischen Zukunftsvisionen und immersiven Landschaften aus Körpern, Bewegungen und Objekten. Inspiriert von dem Science-Fiction- Roman „The Dispossessed“ widmen sich Judith Förster und ihr Team kritisch den Projektionen menschlichen Lebens auf dem Mars.

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In „Mythen der Zweckmäßigkeit“ enthüllt das Klabauter Ensemble die gesellschaftliche Logik der alten Mythen. Im Mittelpunkt stehen die Themen von Ausgrenzung und Identität, von Diversität, Liebe und Freundschaft. Mit fortgeschrittenen digitalen Mitteln wird der künstlerische Ausdruck des Ensembles erweitert und das Publikum mit Stereotypen und gesellschaftlichen Grundvorstellungen konfrontiert.

SALVATION is a science fiction drag ritual and an experimental invocation for a constant distribution of desires based on visions and fantasies Shlomi Moto Wagner has experienced since he was three years old. It explores transformations, mutations and re-manifestations of the idea of being, the sensuality of being a body, the politics of having a body and the poetics of sharing a bodily experience

Das TanzKollektivBremen setzt sich in Beziehung zu den Werken einer Kunstausstellung. Es greift das Thema „Zerlegung eines Produktes" auf und fragementiert köperliche Bewegungen physikalisch und immateriell. Es entstehen groteske Form und neue Körper-Kreaturen. Drei Performer*innen fragen nach der Bedeutung, die die „Ware Körper" in einer globalisierten und digitalisierten Welt hat.

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COLONIA ON EIS lädt die Zuschauenden ein, Glatteis zu betreten. Mit Schlittschuhen an den Füßen und Funkkopfhörern auf den Ohren tauchen sie ein in ein wahrhaft doppelgründiges Erleben im Lentpark in Köln. Das Ensemble untersucht das koloniale Erbe Kölns und fragt danach, welchen Anteil Frauen daran hatten. Ein immersiver Abend zum Zuhören, Ver- und Neulernen, zum Heulen und Zeitreisen.

In „Die Schwergewichte" geben J.U.S.T. ihren eigenen Lebenspaketen einen Körper und eine Stimme. Was tragen wir weiter und wie schwer wiegen unsere Erinnerungen in den Gewebsschichten unseres Körpers? J.U.S.T. entwickeln körper-sprachliche Bilder und erzählen Geschichten über die Anstrengung des Tragens zwischen Sprachlosigkeit und einem vieldeutigen „sprechenden“ Körper.

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Berlins social/community art – Rechercheprojekt: Wie kann es sein, dass eine so diverse Stadt in diesem Feld kaum spannende Ausdrucksformen produziert und prominent präsentiert und dass partizipative Kunstformen bis dato ästhetisch wenig fortschrittlich und vor allem unterfinanziert sind? Welche Form von social/community art sind vorzufinden und in welchen Punkten braucht es dringend ein Update?

„WARTEN – EINE LIEBESERKLÄRUNG AN EINEN UNGELIEBTEN ZUSTAND“ ist eine Stückentwicklung über die politischen und privaten Dimensionen der alltäglichen, existentiellen Erfahrung des Wartens und die darin steckenden Potentiale. Neben allen, negativ besetzten, Aspekten des Wartens liegt in ihm auch eine Chance: Geschenkte Zeit, aus der heraus neue Perspektiven und Ideen entwickelt werden können.

„LIEBE: feminist dating“ beschäftigt sich mit dem Zusammenhang von LIEBE, KÖRPER und FEMINISMUS. Die Performance bewegt sich im Spannungsfeld philosophischer Anschauungen, politischer Überzeugung und emotionaler Erwartungshaltungen. Ist Romantik patriarchal geprägt? Wie kann der ent-sexualisierte Körper der Zukunft aussehen?

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Wetland manifestiert sich auf der Bühne als materiell-realer Ort entsteht, an dem binäre Strukturen wie in einem Sumpf versickern. Die Choreografie lässt virtuose Slidingtechnik mit queerer Perspektive, einen Pleasure zelebrierenden Ansatz mit popkulturellen Einflüssen ineinanderfließen und bildet einen Strom, der unsere allzu-stabilen, komfortablen Denkweisen unterspült.

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Ausgangs- und Mittelpunkt von Sonia Frankens tänzerischer Performancearbeit unter dem Label El Cuco Projekt ist das Spiel mit naturalistischen Tiermasken. IMAGINATION widmet sich neuen Strategien um eine tänzerische Bewegungssprache zu etablieren, die mit Tiermasken diverse Körper in Bewegung generiert, welche zugleich das Potential einer Gestalt, Figur, Skulptur, Malerei und Cartoon innehaben.

Mekan Artis erste Produktion in Berlin „Nach“ rief sein Publikum dazu auf, vier verschiedene Charaktere zu verfolgen. Eine Verfolgung durch verschiedene Straßen Berlins. „Nach“ ist ein Audiowalk-Theaterprojekt, das sein Publikum durch die Stadt führt.

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Willie Stark gibt uns einen Einblick in den Feminismus und schwarzen Tanz. Sie prangert die Rituale der Anpassung an, die Frauen im Laufe der Jahrzehnte durchlaufen haben. Die Beziehung zwischen Performance und visueller Kunst wird vertieft, indem Willie Stark zwei Formate kombiniert. Dabei wird die kulturelle und historische Unterdrückung als Treibstoff für Stärke und Feierlichkeit genutzt.

„Colour Me Something“ ist eine interaktive, wöchentliche Hörspiel-Serie in fünf Folgen. Sie vermischt Musik, fiktive Erzählung und Anleitungen in Form kleiner, aneinander anknüpfender Audiowalks. Folge Dasha auf ihrer Suche nach der Ritualität von Selbstentdeckung und erstelle selbst ein Tape.

Tirca Ginzberg 1924-2013 Die Geschichte einer Holocaustüberlebenden in Jugoslawien. Was erzählen oder erinnern die Nachkommen, deren Großmütter sich schicksalshaft in einem Hospital 1944 begegnen? Die eine stirbt, die andere nimmt den Namen der Toten an. Was bleibt übrig oder wird gar mystifiziert? Eine Recherche über eine Frau, die zwei Familien verbindet.

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Warum verschwinden Künstler*innen aus dem kollektiven Gedächtnis? In einem Raum voller szenischer Erinnerungen und geheimnisvoller Objekte schlüpft die Frl. Wunder AG in die Mäntel der "Furien des Erinnerns". Sie fahnden nach historischen Bühnen-Visionär*innen und denen, die sie unterstützt haben.

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„Wasser Wasser“ ist eine musikalisch-multimediale Performance von Gruppe CIS, die das ursprüngliche Ritual des Waschens zeitgenössisch interpretiert. Entlang der sich wiederholenden Zyklen des Wasserkreislaufs wird die vermeintliche Vergeblichkeit von nie abgeschlossener Pflege als Haltung gegenüber einer Welt formuliert, die von Erzählungen des Abschieds und des Scheiterns geprägt ist.

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Eine Theaterserie zum deutschen Asylrecht wird mit einem transnationalen Team als immersive Filminstallation neu imaginiert, alle Folgen geschrieben und die erste Episode mit hochkarätigen Schauspieler*innen und Mitteln des Theaters wie des Films produziert. Da der Fokus nicht auf den Fluchtgeschichten sondern auf den Jurist*innen liegt, wird ein ehrlicherer Umgang mit dem Thema angeregt.

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Sechs Kinder lassen vor dem Augen des Publikums die Welt kollabieren. In Echzeit produzierte Blockbuster-Szenen veranschaulichen die Visionen der Kinder über die Zukunft der Erde. Szenarien werden auf, weiter und umgebaut. Die Kamera wird neu fokussiert und mit analogen Effekten werden unglaubliche Bilder auf die Leinwand projiziert. Eine Performance für die ganze Familie.

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Das Institut für angewandte Roboterpsychologie (I_AROPSY) startet eine neue Versuchsreihe: Haben Roboter Gefühle? Verfolgen sie eigene Absichten? Sehnen sie sich nach Freiheit? Was verbindet uns Menschen stärker: Fäden oder Kabel? Die Abteilung Verhaltensforschung lädt euch ein, ein Teil der spannungsreichen Experimente um Roboter, Marionetten und Menschen zu werden.

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Der Körper ist nicht nur physisch. Genauso wie der Körper sozial, kulturell und symbolisch ist, wird er auch durch verkörperte Bilder und die Beziehungen, die er eingeht, konstituiert. In dem Projekt "Body and Fiction" möchte ich diese Prozesshaftigkeit der Körperlichkeit herausstellen. Durch den Körper eines Performers möchte ich den Körper im ständigen Werden zeigen.

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Die WELCOME HOME GROUP lädt in ein smartes Tiny-Home ein, das in 30-minütigen Sessions zur Probe bewohnt werden kann. Im One-on-One wird dabei allen Folgen alltäglicher sozialer Distanzierung begegnet. Das neue Zuhause mitsamt AR-App dient als zeitgemäße beste Freundin, die außerdem lehrt, sich in digitalen Sphären wohlzufühlen. Angesichts der Klimaentwicklung scheint das besonders praktisch.

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LOUD macht intersektionale Verschränkungen und Wechselwirkungen sicht- und hörbar und bringt die einzelnen Elemente in einem Raum der Ausgelassenheit und der Enthemmung zum Tanzen: dem Club — Spiegel von gesellschaftlichen Utopien, strukturellem Rassismus, Sexismus und Ableismus. LOUD ist gelebte Utopie auf dem Dancefloor — politisch, divers und laut. Willkommen im Club!

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In der Stückentwicklung „EISCAFÉ VENEZIA“ fliegen die Eistorten. Hier kämpft Jung gegen Alt unerbittlich um Selbstbilder. „EISCAFÉ VENEZIA“ ist ein grotesker Ort, an dem performativ wie musikalisch (un-)geteilte Zukunftsvisionen verhandelt, Schuldbehauptungen aufgestellt und Hassstrukturen ergründet werden. Der Stücktext entsteht in einer methoden-, disziplinen- und städteübergreifenden Recherche.

„As Good As You“ überträgt den Forschungsansatz des Projekts „Emotion AI - Ist der mitleidigste Computer der beste Computer?“ der TH Nürnberg ins Theater und fragt, wie KI empathisch mit einer Performerin agieren kann anhand der Analyse von Mimik, Körper oder Sprache. Kann sich KI so einfühlsam zeigen, dass eine Art Vertrauen aufgebaut und eine künstlerische gemeinsame Arbeit möglich ist?

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Das Projekt THE SUN SETS EIGHT TIMES A DAY veranstaltet 2022 neben der künstlerischen Zusammenarbeit im gemeinsamen digitalen Garten auch in-situ Events, wo neben den Künstler:innen in acht Ländern auch die Publika dort untereinander vernetzt werden, um in der direkten Begegnung Aspekte eines möglichen zukünftigen neuen Gesellschaftsvertrags global zu erörtern. Hier wieder im Berlin Labor.

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In der zweiten Staffel seiner Webserie versucht sich das ROSA KOLLEKTIV am Aufbau einer neuen Proletkult-Bewegung. In einer filmischen Recherche wollen sie lernen aus dem Scheitern der berufsrevolutionären Theaterkollektive im Berlin der Jahre 1928 bis 1933, die den Straßenkampf gegen das innere Kleinbürgertum verloren haben. Eine interaktive Youtube-Webserie und chorische Live-Performance.

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Eine Recherche zur Auseinandersetzung mit dem Briefroman „Berliner Briefe“ von Susanne Kerckhoff, einer schonungslosen Selbstbefragung zur Aufarbeitung des Nationalsozialismus, mit 13 Akteur*innen über ihre Erfahrungen an ihrem Lebensort in Berlin. Es entsteht ein heutiges Gesellschaftsbild, das von tiefgreifenden Veränderungen erzählt, generationsübergreifend über das Berlin Anfang des 21. Jh.

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Mundnasenschutzmaske, Mindestabstand, Spuckschutz, Hygienevorschriften… das klingt nicht nach Theater. Doch wie kann aus den Vorgaben für Theater im Zusammenspiel mit den erlebten Geschichten neues Theater entstehen, dass aus der Not eine künstlerisch- ästhetische Vielfalt macht? Beim Stationentheater tauchen die Besucher*innen in die Welt hinter dem Spiegel ein & erleben ein Haus ganz anders.

„Die Beute“ ist ein immersives Theaterprojekt, welches die Diskussion zum kolonialen Erbe Deutschlands im Zusammenhang mit Raubkunst aufgreift.

Der widerständige Spirit des visionären Dichters William Blake in einem radikalen Experiment: die Erde von außen zu betrachten. Was Astronauten im Weltall als „Overview Effect“ erleben, löst sich auch in diesem poetischen Trip ein: Unser Planet wird in voller Schönheit und Verletzlichkeit sichtbar. Und der Mensch erkennt, dass er nicht der Mittelpunkt des Universums ist.

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"AMA-Perlentaucherin" beschäftigt sich mit der Gegenwart und Geschichte der AMA-Kultur. Sie tauchen ins Meer und sammeln Muscheln. Diese Kultur ist heute durch den Klimawandel, die Verschmutzung der Ozeane und die Entvölkerung bedroht. Mit fließenden Bewegungen, Videoinstallation und Musik von Thorsten Quaeschning (Tangerine Dream) feiert "AMA" die Lebensfreude der Menschen in der Natur.

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Geplant sind 3 Veranstaltungen, bei denen die Theaterfilme „Das Massaker von Anröchte“ und „In Ewigkeit Ameisen“ (beide Drehbuch: W. Lotz, Regie: H. Dörr) wiederaufgeführt werden. Dazu sind Podiumsdiskussionen mit Akteur*innen geplant, die eng an der Schnittstelle von Theater und Film arbeiten um über eine Zukunft des TheaterFilms zu sprechen – auch nach pandemiebedingten Hybridformaten.

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CALL OF MORAL DUTY ist eine speziell für den Livestream konzipierte interaktive Performance zum Thema Cancel Culture. Anonym können die Zuschauer:innen über ein integriertes Auswahlmenu über den moralischen Verlauf der Performance entscheiden. Ihr moralischer Kompass und ihre politische Intergrität werden dabei immer wieder auf die Probe gestellt.

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"Das ist die Wahrheit!" beschäftigt sich mit unterschiedlichen Perpektiven auf "die Wahrheit". Die Recherchearbeit ist die Vorbereitung für ein interaktives Kinderstück, bei dem die Kinder aus 3 unterschiedlichen Perspektiven "die Wahrheit" als Abenteuer erleben, bei dem auch Lügen gelernt sein will.

„Flüssige Anatomien“ recherchiert, skizziert, choreographiert, experimentiert mit Körpern jenseits der festen Materie und diesseits ihrer Wasser. Den Körper nicht von seiner Grenze, Form, Individualität her zu denken sondern von seinem Fließen ist das Ziel und Wagnis dieser Recherche. Das Vorhaben ist auch ein politischer Versuch unser materiell geprägtes Denkens zu hinterfragen.

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„Der Rattenfänger von HÄÄH? - Eine Frage der Perspektive“ Eine Epidemie. Ratten über Ratten. Der Stadtrat setzt alle Hoffnung auf den Rattenfänger. Doch was denken eigentlich die Eltern der Kinder darüber? Und hat jemand schon mal die Ratten gefragt? Diese Neuerzählung des Grimmschen Märchens versucht Kindern und Jugendlichen spielerisch die Komplexität von Meinungsbildung aufzuzeigen.

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Mit "Manni und die Demenz*ionen" entwickelt sich ein begehbares Kinderstück mit generationsübergreifendem Potenzial zum Thema "Demenz". Wie kann ich als junger Mensch Demenz begreifen? Wie ist mein Umgang damit? Über interdisziplinäre Künste und sinnliche Vermittlung werden in künstlerischen Beteiligungsprozessen vielfältige Zugänge für ein junges Publikum geschaffen.

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This work-in-process presentation of “THE DENBY VARIATIONS” features an excerpted, stripped-down performance inspired by the language of Edwin Denby’s dance criticism. To open a dialogue with the audience on how we perceive, process, and linguistically embody dance, they will be invited to write a collective poem in response to the performance. We will also expose the work's generative process.

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Die geometrischen Figuren „KREIS, DREIECK UND QUADRAT“ stehen im Mittelpunkt dieser Theaterproduktion für die Allerkleinsten (2-5 Jahre). Mit Mitteln des Objekt- und Bewegungstheaters, mit Musik und Lichtprojektionen werden die geometrischen Figuren zum Leben erweckt und erzählen vielschichtige Geschichten über das Fremd- und Anderssein, über Unsicherheit, Angst und Freundschaft.

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Das Solostück „Boal“ bringt den Facettenreichtum und die Verflechtungen der biografischen, wie auch theatralen Entwicklung eines der bedeutendsten Theatermacher, Augusto Boal, auf die Bühne. Warum soll das Publikum nur im dunklen Saal sitzen, wenn es doch um deren Themen auf der Bühne geht. „Schluss mit einem Theater, das die Realität nur interpretiert; es ist an der Zeit sie zu verändern!"

Das Figurentheaterstück „Knusper, Knusper“ für eine Schauspielerin und zwei Puppen ist eine abgewandelte Version des Grimmschen Märchenklassikers „Hänsel und Gretel“ für Kinder ab 3 Jahren. Diese Variante des Märchens spielt zur Weihnachtszeit und wird aus der Sicht der verschrobenen Hexe erzählt, die sich im Grunde nur nach Liebe sehnt.

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Eine Soloperformance, die das Scheitern zelebriert, die Lüge und die Leere. Ein Bollwerk gegen die therapeutische Leistungskultur. Eine Hommage an die Menschlichkeit und den ewig kindlichen Wunsch nach Applaus. Kurz hatten wir gehofft, die globale Pause wäre unsere Rettung. Das einfache Glück. Doch was nützte uns das, wenn uns niemand dabei zusah! Schweißnass lagen wir auf der Couch. Rasend still.

Wir leben in stürmischen Zeiten. Nicht nur wegen eines Virus. Es tosen Proteststürme, es stürmen die Jungen, vielleicht die allmächtigen Götter, es wirbelt die Natur, es droht die Ruhe vor dem Sturm und es trügt jene im Auge des Orkans. Fünf Performer*innen und vier BlechBlasMusiker bringen die Luft in Bewegung, stellen sich in den Sturm, versuchen ihm im hybriden Theaterraum zu trotzen.

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„Viecher“ dekonstruieren die Kategorien des „Menschlichen“ mit Mitteln der queeren PoC-Kulturform des Voguing gemeinsam mit dem Publikum in einer zweistündigen Clubnacht im Rahmen von „Cool down“ im Theater Hellerau und der Schaubühne Lindenfels in Leipzig.

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SEX MIT MADONNA nimmt die gesellschaftlich tabuisierte bipolare Störung in ihrer Körperlichkeit auf. Mit 100 Kilogramm buntem Konfetti zaubert Chris Jäger einen luziden Traum, der mit seiner gewählten Form – von der Recherche extremer körperlicher und geistiger Zustände zum Tanz – einen wichtigen Beitrag zur gesellschaftlichen Akzeptanz der Bipolaren Störung leisten kann.

Was passiert, wenn Wut kommt und geht, wann sie will? Was macht es mit einem wütenden Menschen, was macht es mit einem Kind, dass gar nicht wütend werden will!? Stattdessen aneckt und einfach nur anstrengend ist. Wie ein Mädchen aus dieser Wutschleife herauskommen kann, zeigt diese tragische, doch humorvolle Inszenierung mit dem brandaktuellem Thema Wut.

„IKARUS – F**KED UP“ ist die zweite Inszenierung, in der Flying Fox Theater/ Platypus Theater mit Illustrator Jonathan Bachmann eng zusammenarbeiten. Die Motive und Figuren des Ikarus-Mythos bilden den Hintergrund für das turbulente Familiendrama. Eine Geschichte über jugendliche Depression und existentielle Identitätsfragen unserer Zeit mit Dädalus und Ikarus als moderne Vater-Sohn-Kombination.

UNSICHTBARE STÄDTE KOTTBUSSER TOR erforscht urbane Lebensperspektiven durch eine interaktive Performance Maschine im Pizzakarton. Die Maschinen werden vor Ort mit lokalen Communities gebaut, befüllt und per Lastenrad direkt zum Publikum nach Hause geliefert. Das Publikum ist eingeladen, ihre eigene unsichtbare Stadtversion aufzunehmen, die dann online und im öffentlichen Raum präsentiert werden.

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